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lunes, 28 de noviembre de 2011

RYAN ADAMS - ASHES & FIRE


Nuevo trabajo para el ex Whiskeytown, Ryan Adams quien no ha parado un segundo desde que a fines de la década del noventa su banda se disolvió. Doce discos como solista en once años, toneladas de temas no oficiales subidos a su sitio web, produjo el Songbird (2006) de Willie Nelson, y participo en discos de artistas como Norah Jones, Weezer y Jesse Malin entre otros, o sea el tipo no se detiene nunca.
Ryan Adams logro hacer confluir sus influencias de los más grandes cantautores americanos, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Gram Parsons para imprimirle su propio sello, su personalidad esa mezcla de chico tierno y rock n’ roll star suicida. La voz del nene mimado de Jacksonville es de las más particulares que ha dado el country rock alternativo, sus discos Heartbreaker (2000), Love is Hell (2004) y Cold Roses (2005) ya son parte importante del alt country, como olvidar su exquisita versión de “Wonderwall” de Oasis.


Este nuevo trabajo Ashes & Fire es su obra mas autorreferencial, tiene todos los condimentos con los que supo sazonar sus antiguos trabajos, ya separado de sus Cardinals quienes lo acompañaron en los últimos seis años, suena melancólico en “Dirty Rain”, bien country en el tema que le da título al álbum el cual esta producido producido por Glyn Johns (Faces y Eric Clapton) quien le da ese sonido inconfundiblemente setentoso. “Come Home” una bellísima balada en la que se une la voz de Norah Jones y Chris Stills, el primer corte “Lucky Now” nos deja claro que el fuerte de Adams son esas baladas downtempo intimistas que tan bien le salen y deja de lado el rock eléctrico un tanto radiable que ha sabido entregar en discos como Easy Tiger (2007) y Cardinology (2008), que por mas que eran buenos discos no explotaban tanto su lado acústico y de songwriter que muchos preferimos.“Chains of Love” se destaca por sus arreglos de cuerda y “Do I Wait” quizás sea la mejor canción que Adams compone desde hace largo rato sencillamente preciosa.

Este nuevo trabajo del americano lo devuelve a lo que mejor sabe hacer canciones acústicas con excelentes arreglos de cuerdas y teclados, no es su mejor obra pero goza de altísimos momentos emotivos y melodías crepusculares. Como solo los grandes saben crear.
Lean Ruano.-

martes, 22 de noviembre de 2011

Bocanada de aire fresco en un mar de canciones, entrevista a La Ola Que Quería Ser Chau.

Estuvimos conversando con Miguel y Rocío de La Ola Que Quería Ser Chau en una tarde de primavera, presenciando una jornada de grabación en el estudio El Árbol por la zona de Villa Crespo. Nos contaron como van encaminados sus proyectos y que tienen para el 2012 que ya se nos viene encima. Un conjunto musical con muchas inquietudes y mucha energía apostando al progreso y al perfeccionamiento.
Por Mariano De los Rios.
(Corrección: Nicolás Appas)

¿En qué anda La Ola en estos momentos?
Miguel: Bueno, ahora en estos momentos estamos parados hasta diciembre, porque estamos preparando el disco, todo el arte, la cosa legal, registrar las canciones. Lo vamos a presentar en marzo del 2012. La idea es hacer tres Zaguanes, tenemos que ver. Estamos viendo de tocar con bandas amigas que nos gusten.

¿Cuántas canciones tiene el disco?
Rocío: El disco tiene 12 canciones, algunas son las que estuvieron en los EPs pero están grabadas mejor y mas prolijas. Como es el primer largo están grabadas de manera más profesional. El sonido es mas agradable ya que los EPs están grabados de una manera más casera. Hay canciones que nunca se habían grabado que las veníamos tocando en vivo con la anterior formación. Canciones de diferentes épocas, hay muchas canciones que son viejas pero no se conocen porque por ahí no las hicimos, como “Plastic Ono”, que las hacíamos mucho en vivo pero recién ahora las pudimos grabar, la canción mas vieja es del 2008.

¿Como nace la idea del nuevo disco?
M: Fue muy complicado elegir, grabamos con Agustín de un grupo de rap El Orgullo de Mamá. Nos contactó en un principio para grabar una canción que se llama “Namek” que todavía no está en ningún disco. La íbamos a grabar pero pegamos buena onda y nos hizo un precio para grabar un disco. Cuando comenzamos a grabarlo la banda se estaba disolviendo, éramos Rocío y yo nada más. Lo grabamos entre nosotros y Agustín. Yo hice los arreglos, las guitarras y grabé algunos bajos. Ro grabó otros bajos y de a poco nos fuimos formando nuevamente. Al principio tocaba Reimon, un chico de La Plata. Estuvo tocando la batería un tiempo, después entro Santi en la guitarra. Él tocaba en la banda Lache. Después entró Feche, que es un amigo que empezó a tocar la batería cuando se fue Reimon. Este año tocamos en todos lados: Córdoba, Uruguay, Bahía Blanca, y también tocamos mucho en La Plata y Capital.

¿Qué aporte le dieron los nuevos integrantes al grupo?
M: Más que nada creo que nos llevamos mejor.
R: Descubrimos una fluidez y poder volver a creer que te podes conectar con otra gente para hacer música. Más que nada cuando empezamos a tocar con Santi fue una sorpresa, de una manera es una persona muy abierta y surgió una amistad, una conexión enseguida.
M: Con Feche somos amigos hace 3 o 4 años cuando La Ola no existía, la primer versión de la banda fue con él en la batería y yo en la guitarra, pero como el vivía en Mar del Plata se hacía difícil a la distancia.
R: Le dieron un montón de aire al grupo, fue confiar que podías decirle como sonaban las canciones y enseguida se acoplaban.
M: Nos llevamos mejor porque nos escuchamos más. Por ahí las canciones salen de maquetas mías con arreglos determinados, pero ahora es como que hay una fluidez que no hace falta que sea tan respetado. Hay una buena energía que sale tocando las canciones del disco, vamos a tratar que sean lo mas fiel al disco. Aunque, hay muchas canciones que deberíamos ensayarlas más porque el disco tiene muchas guitarras y teclados, trompetas, el tema es que en vivo se va a complicar. Pero, para la presentación vamos a hacer todo lo posible para que salga muy bien. Hay bastante tiempo para organizar ya que es en marzo la presentación.

Escuché por ahí que van a hacer un video.
M: Sí, de la canción que se llama “Ojalá que este verano no nos maten”. Se filmaría en diciembre para que en enero o febrero este más o menos listo como un adelanto del disco.

¿Quién lo realizaría?
M: Mariano de Mi Amigo Invencible, que se le ocurrió la idea y dos amigas que estudian cine. Fusionamos nuestras ideas para trabajarlo y los estamos preparando. Para terminar el disco hay que juntar un poco de plata ya que hay que masterizarlo, por otra parte participamos en un compilado, pero para Los Migues junto con Digisagas para el Fuego Amigo Discos. Es un compilado de versiones en la cual grabamos “Dejame soñar” (canción de apertura de serie televisiva de Amigovios). Por otra parte, con La Ola también participaremos de un compilado español en tributo a Daniel Johnston, haciendo una versión de la canción "I had lost my mind" - que ya lo habíamos hecho con Los Migues pero ahora lo grabaremos de nuevo con La Ola -.El proyecto será junto a bandas latinoamericanas y de España como Denver, Valentin y Los Volcanes y agregarle 'entre otros grupos más', se va a editar en cassette con un fanzine y nos van a mandar algunas copias. Es una canción de Los Migues y la estamos editando con La Ola para mandarlo, en un mes saldría el compilado en España, también participa Denver y Valentin y Los Volcanes. Está muy bueno porque nos da difusión a otra escala. Hace poco nos empezaron a escribir de otros países que conocieron algunas canciones y eso está muy bueno.

Con relación a Los Migues ¿Por qué no unificar el proyecto?
M: En realidad Los Migues es como las canciones que yo grabo en mi casa, es más casero, es la libertad de grabar todo lo que surge. En cambio con la banda es como que se eligen las canciones que van.
R: Por ahí en la banda somos mas selectivos y no de grabar todo lo que nos viene a la cabeza. En Los Migues tenemos mas libertad de composición, cuando te juntas con gente, por ahí surge algo o por ahí no.
M: Los Migues es la energía mas directa, yo grabo mucho en casa y a la banda no llegan todas las canciones, son como más personales e improvisaciones en medio de una bipolaridad, más primitivo, es la libertad. Las canciones de La Ola son mas generales y menos personales, quizas pueden llegar o represetar a mas personas.

Tienen muy buenas ediciones de los discos. ¿Cómo se plantean esta situación durante la producción?
R: Son una obra única para cada disco, es un gran esfuerzo, pero es lo que nos gusta hacer. Seguramente el nuevo disco, trabajemos con una gráfica para la edición, que a diferencia de lo que sucedió con los EPs que fue sumamente casero. Sin embargo, todo llevará el sticker que tienen los EPs para no perder esa esencia artesanal.
Secuencia Inicial.-

Los integrantes de La Ola Que Quería Ser Chau son: Los Migues, Ro Marquez, Santi Nerone y Feche.
Para escucharlos y descargar sus discos www.myspace.com/laolaquequeríaserchau y también podés descargar a Los Migues desde www.fuegoamigodiscos.com.ar

NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS - NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS


Primer trabajo como solista del mayor de los Gallagher, tras la separación de Oasis allá por fines del 2009 los hermanos Gallagher siguieron caminos por separado Liam formó Beady Eye junto al resto de músicos que conformaban Oasis y a comienzos de este año nos dio a conocer su primer trabajo Different Gear Still Speeding a partir de ese momento todos los focos se posaron sobre Noel, ¿que se traería bajo el brazo el compositor de los grandes éxitos de Oasis? Pero hagamos un poquito de historia, Oasis fueron los reyes indiscutidos del Britpop a mediados de la década del noventa, sus dos primeros discos Definitely Maybe (1994) y (What’s the Story) Morning Glory (1995) ya son parte de la historia del rock británico canciones como “Life Forever” , “Wonderwall” y “Champagne Supernova” fueron coreadas hasta el cansancio en estadios de todo el mundo. Los cimientos de Oasis siempre fueron por un lado las grandes canciones de Noel y por otro la tremenda voz de Liam para cantar rock mas allá de las eternas peleas entre los hermanos, las idas y vueltas, los amores y odios Oasis siempre fue una gran banda de rock n’ roll con todos sus clichés incluidos , sexo , drogas y toneladas de dinero.


A diferencia del debut de Beady Eye este primer trabajo de Noel y sus “pájaros de alto vuelo” es menos roquero que el de su hermano, la mayoría de las canciones se construyen sobre guitarras acústicas, arreglos de cuerdas y teclados, pero se nota que a la hora de componer nadie le dobla la muñeca al bueno de Noel, el corte adelanto “The Death Of You And Me” ya nos mostraba por donde venía la mano, melodía mid tempo con arreglos de vientos casi circenses y colchones profundos de cuerdas, no nos olvidemos que las pocas veces que Noel tomaba el micrófono principal de Oasis era para cantar alguna balada como tampoco podemos dejar de lado su performance en el unplugged para Mtv donde se defendió a la perfección tras el faltazo de su hermanito, su voz mas suave y menos chillona calza a la perfección para este tipo de canciones digamos que si su mayor influencia son los Beatles para este disco en particular sería la de George Harrison, “Dream On” y “Soldier Boys And Jesus Freaks” siguen la misma impronta acústica. La única canción un tanto diferente es “AKA… What a Life” que suena mas a un electro pop del estilo Ian Brown.

Noel Gallagher’s High Flying Birds es un disco de diez canciones que se disfrutan pero no aporta nada nuevo, para los fans de Oasis con ambos proyectos (el de Noel y el de Liam) tendrán dosis de rock y pop como tenían en el último tiempo de Oasis como para no extrañar. Creo que si sumamos las mejores canciones de ambos trabajos podemos lograr un buen disco de Oasis.
Lean Ruano.-

martes, 15 de noviembre de 2011

TOM WAITS – BAD AS ME


Se hizo desear como todo lo que realmente es bueno y vale la pena esperar, han pasado ya siete años del ruidoso y a su vez hermoso Real Gone aquel disco donde Tom Waits llevaba al extremo sus experimentos sonoros afeando hasta las más bellas melodías, saturando de distorsión nuestros sentidos, posteriormente llego Glitter and Doom Live (2009) registro en vivo que no aportaba demasiado a los que estamos siempre deseosos de nuevas canciones de este increíble compositor.

La carrera de Waits es extensa y riquísima con picos de creatividad en las cuatro décadas que abarca, discos como Small Change (1976), Rain Dogs (1985) y Bone Machine (1992) lo demuestran a la perfección.
Ahora llega el momento de Bad As Me, trece nuevas composiciones todas en co-autoria con su esposa Kathleen Brennan, para esta ocasión Waits baja las revoluciones de sus últimas obras y se asienta en lo que mejor sabe hacer esas baladas nocturnas plagadas de humo, alcohol y bao de taberna a la vera de cualquier ruta norteamericana, sus historias siempre giran alrededor de perdedores, vagabundos y prostitutas un mundo que Waits supo crear y reflejar mejor que nadie en sus composiciones , también hay en dosis menores el Waits de garganta aguardentosa para aquellos que disfrutan mas con sus graznidos y sonidos guturales.

“Chicago” el tema que abre Bad As Me es un viaje, un trayecto por esa ciudad nada más y nada menos que acompañados por la guitarra de Keith Richars quien vuelve a participar junto a Waits como había hecho a mediados de la década del ochenta, “Raised Raigth Men” vuele el Waits de los graznidos junto a un teclado endiablado y el bajo de Flea (RHCP), “Talking At Same Time” es un clásico tema mid tempo como los que solía hacer Waits en la década del setenta con arreglos de piano, batería acariciada con escobillas y guitarra con vibrato su voz casi susurrada es una perla hacia mucho tiempo que Tom Waits no escribía una canción con este estilo de lo mejor del disco, en este nuevo trabajo también hay lugar para el rock n’ roll sucio en “Get Lost”, más baladas taciturnas “Face To The Highway” y aroma a jazz en “Kiss Me”.

Waits vuelve a estar acompañado de sus files colaboradores Les Claypool (Primus) al bajo, Marc Ribot en la guitarra, su hijo Casey Waits en percusión, David Hidalgo (Los Lobos) en acordeón, coros y percusión entre otros invitados de lujo.
Bad As Me es un trabajo que equilibra el Tom Waits más cancionero de sus comienzos como músico y el experimental que supo reformularse en la década del ochenta y noventa, que a sus casi 62 años un músico de la talla de Tom Waits nos regale una obra de esta magnitud es una verdadera bendición… el “iluminado” como lo suele llamar Beck esta de vuelta a disfrutarlo.
Lean Ruano.-

jueves, 10 de noviembre de 2011

PEZ - VOLVIENDO A LAS CAVERNAS (2011)


Esta es una afirmación que nos hacemos una vez por año, y ya suena redundante, pero, ¡qué bueno que está el último disco de Pez! Es así nomás, la banda de Ariel Minimal lo hizo de nuevo, mandándose una obra magna, un opus desaforado que desparrama un rock visceral y de calidad. Este es un disco que –si se puede decir- está a mitad de camino entre Los Orfebres (2007) y Folklore (2004), otro álbum que combina la furia del mejor rock pesado, de plena inspiración setentosa, con la psicodelia, e incluye extensas incursiones guitarreras, en donde Minimal la descose demostrando, una vez más, que excelente músico es. Además, no hace ni falta que te comente que sus letras están bárbaras. Así, este grupo –formado por Minimal (voz y guitarra), Franco Salvador (voz y batería), Fósforo García (bajo) y Pepo Limeres (piano eléctrico y teclados)- da cátedra, mostrando que se puede hacer otro tipo de rock en la Argentina, sin caer en la repetición y animándose siempre a más, abocándose a una intima vocación -e intención- de seguir hermanando su sonido potente con la profundidad lírica



Volviendo a Las Cavernas es un disco que hay que escuchar y punto, por eso no serviría de mucho tratar de describir sus temas, impecables todos ellos. Sus títulos hablan por sí mismos: “De Cómo el Hombre Perdió”, “Lo Interesante es por Afuera” o “¿Y Ahora De Que Vamos a Hablar?”, son todas canciones furibundas, explosivas, intensas, verdaderos tours de force auditivos que terminan volviéndose adictivos, ya que uno no puede parar de escucharlos. Según declaró Minimal, en un reportaje para el sitio El Vernáculo.com, “la historia que atraviesa el disco, a pesar de no ser ni tan literal, ni tan lineal, habla de un mundo que está atravesando cambios profundos y por eso el personaje de la historia propone volver a las cavernas.” Como decíamos, el disco incluye, además, extensos pasajes instrumentales, como el de “¿Y Ahora De Que Vamos a Hablar?”, en donde Pez da cuenta de su amor y su herencia sonora hacia lo mejor del rock setentoso. En “Cavernas”, la onda se vuelve cancionera e irresistible, aunque la potencia nunca se repliega. Así llegan luego “El Motivo” y “Aferrándose Desesperadamente a lo Poco Bueno Que Queda”, este último, un tema que inevitablemente nos hace acordar al Pescado Rabioso de Desatormentandonos. La conmovedora “Seremos Recuerdo” es quizá uno de los pocos momentos en que la música se vuelve más calma, para dar el fondo ideal a otra hermosa letra de Ariel, quien canta: “Fue nuestro el tiempo, pero terminó. De todos modos, te pido perdón…”; en un momento sublime que le pone la piel de pollo hasta al más duro. “Confrontación” incluye otro hermoso viaje sonoro final instrumental, que desemboca en un grito de liberación, que regresa hecho verso, palabra y rima de excepción. “La Ultima Semilla” es otro tema increíble, con su ritmo demoledor e intensidad irresistible. Lo sigue “El Idiota”, un desborde eléctrico explosivo, con una letra buenísima, y el final del disco que llega con “Y Por Ahí Escuché Decir Que Aun Existe un Lugar Donde Todavía Hay Humanos” en donde se habla de las paranoias desatadas por la inminente llegada del año 2012, con todo el tema de las profecías escritas al respecto, los calendarios mayas, la Era de Acuario, los cambios que se vienen, etc., etc.… Sin dudas, inabarcable, perturbador, inconcebible e inenarrable… Y así, hasta el infinito, poniéndole todos los adjetivos que se te ocurran a este que, sin dudas, es uno de los mejores discos del rock nacional actual.

Emiliano Acevedo.-

miércoles, 2 de noviembre de 2011

BJÖRK – BIOPHILIA (2011)


Enfrentarse a una nueva obra de Björk es siempre un desafío, podemos decir que la islandesa es una de esas artistas que siempre esta de cara al futuro, vanguardista dirían unos, elitistas otros, lo único indiscutible es que su talento y sus ganas de investigar y sorprender siguen intactos desde su disco debut como solista Debut (1993), en el cual presenta una mezcla perfecta de electrónica, trip hop y pop pero lo que más sorprendía era su particular registro vocal. Anteriormente supo estar al frente de The Sugarcubes banda de rock alternativo formada en su Reykjavik natal y con quienes edito tres álbumes entre 1988 y 1992. La carrera de Björk es muy regular y con altísimos picos de creatividad como Homogenic (1997) y Vespertine (2001) son dos obras extraordinarias.

En el año 2004 se produce un quiebre en su carrera cuando edita el disco Medulla grabado únicamente con voces y muy pocos instrumentos, un trabajo de difícil acceso para el público que sigue a la Björk mas cancionera. Tres años después llegó Volta con el cual intentaba volver de nuevo a la senda electro pop, una vez finalizada la gira de dicho álbum en 2008 Björk perdió la voz y no se sabia si volvería a cantar, por suerte y después de siete meses de recuperación todo volvió a la normalidad.

Biophilia su nuevo trabajo esta compuesto íntegramente en una tablet táctil pero interpretado por instrumentos diseñados para la ocasión que comenzó a venderse en forma de aplicaciones para Iphone y Ipad hace ya algunos meses pero, vayamos exclusivamente a lo musical las canciones que componen Biophilia (amor a la vida), son una mezcla conceptual entre la armonía cósmica, la ecológica y la astronomía. El disco abre con la canción “Moon” una dulce melodía acompañada por arpas, coros y bases programadas “Thunderbolt” sigue por el mismo camino dejando de lado las cuerdas pero incorporando otros juguetillos sonoros, el tercer tema "Crystalline" es lo mas cercano que podemos encontrar a la Björk convencional en "Biophilia"  una canción pop con un final cargado de beats y cortes de baterías programadas que hacen mover hasta a un muerto.

El resto de las canciones son un muestreo de sus experimentos con pasajes a capella, arreglos de cuerdas machacantes y travesías electrónicas de su singular instrumento el Gameleste, mas allá de la obra conceptual que simboliza Biophilia todo un concepto del futuro de la música y sus aplicaciones multimedia para los que esperan a una Björk de canciones mas accesibles deberán seguir esperando y para los mas aventurados a sumergirse en mares de la exploración sonora bienvenidos a Biophilia el octavo disco de Björk una artista que nunca pasa desapercibida mucho menos con la peluca de la portada.
Lean Ruano.-

YES – FLY FROM HERE (2011)


Diez años habían pasado desde el ultimo álbum (Magnification, 2001) de Yes, y cuando muy pocos esperaban una nueva producción, el grupo nos sorprende con la edición de Fly from Here. Sí, vuelve Yes, con el viejo logotipo de Roger Dean, actualizado y otra de sus magnificas e impactantes portadas. Seguramente, que si aun no escuchaste el disco (y sos fan de la banda o planeas serlo…); lo primero que me preguntarías es “¿Está bueno?” Mi respuesta es “” –la broma obvia, ya sé...-. No, en serio, Yes nos sorprende con una producción acorde a su leyenda de pioneros del rock progresivo. Recordemos que estamos en presencia de un grupo que tiene 43 años de historia, nada menos. De seguro, no esperen encontrar en este Fly from Here un álbum con destino de clásico, como lo fueron Fragile, Close to the Edge, Relayer o Going for the One; en la época dorada del grupo. Tampoco estos músicos están obligados a seguir realizando obras maestras, esas, ya fueron hechas en los ´70, están bárbaras y son recomendables a cualquiera que se quiera acercar a la música compleja y hermosa de uno de los grupos más originales (amados u odiados, sin términos medios) que dio la historia del rock

Entonces, despojados de cualquier preconcepto, seguro que esta nueva producción va a generar más que un momento agradable en los fans, viejos o neófitos. Su música está muy bien elaborada y cuenta con una soberbia producción de Trevor Horn, el famosísimo productor, ex cantante de Yes en el disco Drama (1980) –esa vez, en reemplazo de Jon Anderson-, que no colaboraba con el grupo desde Big Generator (1987), el álbum que siguió a esa otra producción de Horn que se convertiría en el disco más exitoso –y controversial, entre las opiniones de los fans- de toda la trayectoria de Yes: 90125 (editado en 1983). Ahora son otros tiempos y, aunque ya no está el pop de FM de 90125 ni el virtuosismo desbordado de Tales from Topographic Oceans (1973), Fly from Here sintetiza algo de lo mejor de ambos mundos. Otra de las sorpresas que trae este grupo es la cuasi “reunión” de la formación que grabó Drama en 1980, ya que a la participación del mencionado Horn –que además de producir, hace coros, toca algunos teclados y hasta hace un cameo en el nuevo clip del grupo-, se suma la presencia del gran Steve Howe en guitarra, ese mastodonte del bajo llamado Chris Squire, Alan White en batería y la vuelta (luego de 30 años) de Geoff Downes en teclados. Otra vez no están ni Jon Anderson ni Rick Wakeman, distanciados del seno del grupo desde hace más de 6 años –aunque el hijo de Rick, Oliver sí participa componiendo y como tecladista auxiliar-. El vocalista encargado de la difícil tarea de reemplazar a Anderson es el canadiense Benoit Davis, quien cumple una tarea solvente y digna, con su registro vocal parecido al de Anderson pero sin llegar a la parodia de la imitación. Lo que quizás sí se extrañe un poco es que no abunden los cambios rítmicos que caracterizaron al grupo, ni ese virtuosismo desbocado de otros tiempos (salvo en el instrumental “Bumpy Ride”), pero tal vez, en este caso, “menos sea más” y por eso este debe ser uno de los mejores álbumes que Yes editó en los últimos 20 años. 

Para empezar, su primera parte está compuesta por una larga suite –formada por 5 partes diferentes- llamada “Fly from Here”, un temazo que actualiza la tradición prog del grupo a este nuevo milenio, dándole una nueva vuelta de tuerca a este estilo con una acertada mixtura de pasajes de románticas baladas y piezas de espíritu folk. La historia de este largo tema es muy curiosa y tiene su origen en 1980, en el mismo momento en que Horn y Downes entraron al grupo. Antes de unirse a Yes, ambos le acercaron a Squire, Howe y White un demo que habían compuesto intitulado "We Can Fly from Here". Ese demo, finalmente, se quedaría fuera de Drama, aunque sí formaría parte de la subsiguiente gira llevada a cabo por Yes, durante la segunda mitad de 1980. Luego de la separación del grupo en 1981, Horn y Downes grabarían otro demo de "We Can Fly from Here", en esta oportunidad en forma de una suite de dos partes. Este segundo demo de la canción era uno de los principales candidatos para formar parte del segundo disco de The Buggles (el dúo formado por Horn y Downes), Adventures in Modern Life (1981), sin embargo, apenas sería un bonus track de la reedición de este álbum en 2010. Finalmente, ambos demos, más una tercera parte, se convertirían en la base de "We Can Fly", "Sad Night at the Airfield" “Bumpy Ride” y "Madman at the Screens"; las otras partes de esta larga suite de 25 minutos que es el núcleo de este nuevo disco de Yes. La segunda parte de esta producción quizá no sea tan elaborada pero igualmente es muy disfrutable. Ahí nos encontramos con “The Man You Always Wanted Me to Be”, una bonita canción compuesta y cantada por Squire. Luego llega "Life on a Film Set", otro tema corto, pero con una esencia cercana al espíritu de Drama. Esta canción también está basada en otro demo de Buggles llamado "Riding a Tide". Por su parte, “Hour of Need” es una muy linda balada compuesta por Howe. Uno de los momentos más destacados de Fly From Here es “Solitaire”, un instrumental realizado en forma magistral por un inspiradísimo Howe en la guitarra acústica. Este tema, sin dudas, está a la altura de lo mejor de las perfomances acústicas de toda la carrera de Steve Howe, lo que ya es mucho decir. Y así llegamos a “Into the Store”, un alegre tema “rápido” que nos hace acordar (salvando las distancias) a ese magnifico “Tempos Fugit” que cerraba Drama

En resumen, los gloriosos dinosaurios sinfónicos demuestran con esta nueva producción que están de vuelta, en gran forma, vivitos y coleando. Ojalá que sigan editando discos de forma más seguida, y sí en la próxima rescatan, además de la formación de Drama, un poco de la fuerza sonora de aquella producción tan injustamente menospreciada, quizás estemos en presencia de un renacer, otra vuelta de tuerca, y el verdadero regocijo final para un grupo que parecía haberlo dicho todo.
Emiliano Acevedo.-