CORINNE BAILEY RAE - THE SEA

Hija de padre caribeño nacido en la isla de Saint Kitts and Nevis y madre inglesa, la mayor de tres hermanas mujeres; Corinne Bailey Rae (Leeds, Reino Unido, 1979) cantante y compositora, durante su adolescencia fue deslumbrada por el grunge y los grupos de riot grrrrls como Veruca Salt o L7 ella misma dice: "Fue la primera vez que vi a mujeres con guitarras, estaban muy sexys. Quería ser como ellas, como líder de algo"
Esto la llevo a formar la banda se Indie pop “feminista”, Helen, con la cual logro un contrato de grabación con la discográfica Inglesa Roadrunner Records UK, pero nunca llegaron a sacar ningún sencillo ni álbum.
Corinne se sintió bastante desilusionada, a causa de ello la llevo a abandonar la música e ingresar a la universidad de Leeds para estudiar Literatura inglesa.
Para solventar los gastos de la universidad Corinne consiguió trabajo en un local de jazz en donde descubre otros estilos de música como el soul y el rythm & blues, también es por esas noches cuando conoce a su futuro marido el saxofonista de jazz Jason Rae.
En el año 2005 consigue un contrato discográfico con EMI y a principios del 2006 lanza su primer trabajo titulado simplemente Corinne Bailey Rae. Las comparaciones con otras divas del neo soul y el r&b como Joss Stone o Norah Jones no tardaron en llegar. De la mano del sencillo "Put Your Records On" logro ser nominada a dos Grammy en la categoría de Canción del Año 2006 y Disco del Año 2006, y con el mismo llegó a vender cuatro millones de copias alrededor del mundo, nada mal para un álbum debut.
Cuando todo marchaba sobre ruedas y Corinne había logrado encaminar con éxito su carrera en marzo del 2008 su marido, apareció muerto en casa de un amigo, víctima de un combinado de metadona y alcohol.
Bailey Rae vuelve al ruedo con The Sea (EMI 2010), un disco como ella misma define: “para intentar sorprender a Jason, esté donde esté”.
El primer sencillo es “‘I’d Do It All Again” una balada que sigue el camino del sonido amable característico de Corinne a medio camino entre el jazz y el soul, “I Would Like To Call It Beauty”, es otro ejemplo donde se nota la mano del productor Steve Brown y que nada esta librado al azar, cada nota, cada arreglo esta en el lugar que le corresponde, “Paris Nights / New York Mornings”, el que será posiblemente el segundo single del álbum muestra el costado mas pop de la cantante, también se destaca la melodía tenue pero no menos sublime de “Diving Hearts”.
En un género como el soul es muy difícil mantenerse de pie a las comparaciones con las grandes voces de finales de los años 50’s y principios de los 60’s, con este segundo trabajo Corinne Bailey Rae no solo a demostrado que sigue mas fuerte que nunca sino que ha dado un paso adelante con madurez y elegancia, sin la necesidad de apelar a escándalos marketineros para vender algunos discos más, como lamentablemente suele suceder con algunas otras “divas” del género.
Hay que sumergirse y bucear en silencio para poder disfrutar bien atentos de este mar lleno de melodías que nos regala una de las voces mas brillantes de los últimos años señoras y señores con ustedes Corinne Bailey Rae.
Lean Ruano.-

OCEAN COLOUR SCENE – SATURDAY

Más que esperado resulta ser Saturday, la nueva producción discográfica de los ingleses Ocean Colour Scene, calificado con nota alta, incluso brillante y que lo colocaría, a primera escucha junto a sus dos primeros discos Moseley Shoals y Marchin’ Already, como de lo mejor de la banda hasta la fecha. Sus canciones siguen teniendo ese gusto añejo, pero sonando mas jóvenes de lo acostumbrado, cosa que gana un punto mas que a favor en el apartado de la producción.
La guerra británica que se produjo en los años noventa por el reinado del, por entonces exitoso, brit pop, entre Blur y Oasis, trajo como consecuencias varias agrupaciones que se moverían a las sombras de ellos, y que, jamás tuvieron la atención que musicalmente habían ganado. Poco mejor fueron las cosas con el correr de los años, ya que, el brit pop desapareció como fenómeno de masas y arrastrando a varios de sus grupos integrados bajo esa denominación. No fue el caso de Ocean Colour Scene, ya que, siempre contó con una particular característica que la hacía especial: era la banda que más demostraba visiblemente la influencia de la música negra en sus temas. Al margen de las referencias comunes que todos los grupos de esa ola tenían, llámense The Kinks, Beatles, o The Who, en ellos el soul y el rhythm and blues se dejaban notar con claridad. Por todo eso es claro que, su influencia este cercana a personajes como Steve Winwood con cualquiera de sus diferentes proyectos o a Paul Weller, este último muy próximo a la banda y como ocasional colaborador.
Saturday es el sucesor de On the Leyline (2007) y de la aventura en solitario de su cantante Steve Cradock quien editara su disco debut el pasado año. La placa cuenta con la producción de Gavin Monaghan , conocido por trabajar con bandas actuales tales como Travis, Kins of Leon y Editors. Ya desde el inicio con “100 Flors of Percepcion” dejan en evidencia su impronta de la música negra, en este caso el soul, que rodea al disco. Así tenemos “Saturday” (la canción) donde conjugan a la perfección esa mezcla de estilo británico con el r&b, al igual que la poderosa “Old Pair of Jeans”. No hay que olvidarse de que es un grupo oriundo de la invasión inglesa y eso se evidencia en temas como “Mrs Maylie” y “Just a Little Bit of Love”, con guitarras muy The Who, y melodías muy Beatles. “Sing children sing” y “Word” son dos canciones que podrían presentarse como ejemplo del sonido que ha hecho conocido al grupo, dejando bien en claro su talla de especialistas en este tipo de medios tiempos en materia sonora, muy melancólicos, instrumentados, con cambios de ritmos constantes y la utilización del falsete a la hora de cantar.
Sin duda, Saturday (la placa), por su calidad, formara parte de los discos esenciales de la banda inglesa, aun a riesgo de sonar exagerado. Los Ocean Colour Scene han vuelto para recobrar un poco la atención que siempre han merecido y que en contadas ocasiones han logrado.
Diego Bochor.-

SPOON – TRANSFERENCE

Si hay un grupo que representa la gran nueva ola del buen rock estadounidense es, definitivamente Spoon. La banda oriunda de Austin, Texas, integrada por Britt Daniel, Jim Eno, Rob Hope y Eric Harvey. Tras casi tres años de silencio discográfico, regresan a la escena con Transference, su octavo disco, una placa que se perfila para ser calificado como uno de los mejores de este 2010. Fue En 1994 cuando dieron sus comienzos consolidándose como una de las mejores bandas del condado de Texas y poco a poco ganando escena en todo los Estados unidos, conservan siempre un sonido leal, fiel al rock puro y genuino. Varios de sus discos, son el reflejo de una banda llena de versatilidad, constancia y creatividad sonora. Su carrera discográfica se inicio en 1996 con el disco Telephono y siguió con los clásicos Series of Sneaks (1998), Girls can tell (2001, ¡¡¡disco al cual amo!!!), Kill the Moonlight (2002, grandioso), Gimme Fiction (2005) y su anterior Ga Ga Ga Ga Ga (2007), placa que llegara a vender casi 300 mil copias y pasando a ser realmente una joya discográfica.
Si comparamos lo primero que se me vino a la mente al momento de escuchar su nuevo álbum, las diferencias saltan a la vista esta vez, el grupo ha optado por dejar un poco de lado la impronta pop de su disco antecesor, sustituyendo vientos por teclados al lado de pianos y guitarras rítmicas cortantes, redondeando una placa mas compleja, reflexiva, tal vez más cercana a trabajos previos como Gimme Fiction.
Transference resulta ser un disco producido por ellos mismos, influenciados por artistas tales como David Bowie, Bob Dylan, Warsaw, Trince Buster, AC/DC, The Damned y Sister Nancy,a la hora de componerlo, como bien ellos declararan en diversas entrevistas concedidas a varios medios. Puntos bien altos: “Before Destruction” que arranca el disco y que da paso a las desgarradoras y paralizantes “Is Love Forever ?” y “The Mystery Zone”. Le siguen, “Who Makes Your Money?” y el primer corte del disco, “Written in reverse” para citar solo algunas de las grandiosas canciones que encierra esta monumental obra. Tenemos así como conclusión un disco más puro que sus antecesores, arriesgado en su búsqueda sonora pero con su clásico sonido tan particular que los ha caracterizado a lo largo de todos estos años. Spoon sigue sonando a Spoon. Siguen ofreciendo algo nuevo. Y eso los engrandece aun más.
Diego Bochor.

Falleció LHASA DE SELA

La cantante y compositora mexicano-estadounidense, Lhasa de Sela, falleció el 1 de enero pasado en su casa de Montreal, a consecuencia de un cáncer. Tenía solo 37 años. Hija de un profesor y escritor mexicano y de una fotógrafa estadounidense, Lhasa pasó su infancia recorriendo carreteras de México y Estados Unidos. Nació cerca de Woodstock en 1972, en Montreal (Canadá) y debutó discográficamente en 1997 con su genial La Llorona placa que vendiera mas de 400 mil copias en Francia y Canadá. En 2002, se asocio al percusionista Francois Lalonde y al pianista Jean Massicotte para darle vida a su segunda producción titulada The Living Road. En diciembre de 2007, Lhasa vuelve a los estudios para grabar su tercer álbum, al que dió luz recién en 2009 bajo el nombre de Lhasa, esta vez grabado en inglés ya que, sus dos producciones anteriores contaban con canciones en español, inglés y francés.
Esta singular artista se llamaba como la capital del Tíbet. El nombre de Lhasa se le ocurrió a su madre cuando la pequeña había cumplido ya cinco meses mientras leía el “Libro tibetano de la vida y la muerte”.
Cada una de sus canciones transmiten diferentes sensaciones. Sus composiciones se las pueden escuchar en películas de John Sayles como “La casa de los Babys”, el documental de Madonna o la serie “Los soprano” y suenan a chanson francesa, folk norteamericano, blues, ranchera, etc.
Escribía frases como “tuve que quemarme pá llegar a tu lado” y contaba en sus conciertos la historia de su abuelo libanés, que se escondió en un barco con destino a Marsella para huir de un padre que no lo quería. En sus letras expresaba “me siento culpable porque tengo la costumbre” pero, aseguraba que tardo meses en comprender que se trataba de una fantástica explicación sobre la culpabilidad y como librarse de ella. Y Lhasa no quería sentirse culpable nunca más.
Diego Bochor.

MATIAS AGUAYO – AY AY AY

Como todos los finales de año es inevitable realizar el habitual balance con lo que consideramos lo mejor del año que se nos va. Con esta excusa empecé a recorrer los diferentes sitios que suelo frecuentar y en el de la prestigiosa revista inglesa THE WIRE me encontré entre los mejores 50 discos del 2009 con un nombre que despertó mi curiosidad y que sinceramente me resultaba desconocido hasta el momento
El nombre era el de Matías Aguayo productor de música electrónica nacido en Santiago de Chile y radicado en Alemania desde mediados de los años 90’s donde junto a Dirk Leyers formo el proyecto de minimal – pop llamado Closer Musik.
Luego de algunas diferencias creativas con Leyers, Matías decide emprender su carrera como solista, y tras editar varios Ep’s , en el año 2005 ve la luz “Are You Really Lost” para el sello alemán Kompakt el cual fue muy bien recibido tanto por la critica especializada como por los amantes de este sub genero llamado minimal techno. No es casualidad que, Aguayo al igual que su compatriota Ricardo Villalobos, editen sus trabajos en sellos alemanes pero no por ello se olviden de sus raíces latinas las cuales son un elemento fundamental tanto en la rítmica como en la melodía en la obra de ambos artistas.
Uno puede pensar al hablar de techno minimal editado en Alemania como una música electrónica fría, mecánica, tediosa y aburrida quizás… pues bien amigos, nada de eso sucede en este nuevo trabajo de Matías Aguayo, Ay Ay Ay (Kompakt 2009) es un álbum realmente excitante desde el primer tema “Menta Latte” hasta el último “Juanita”. El chileno nos pasea por un abanico de posibilidades realmente sorprendente como ser, el ritmo afro – tribal de “Koro Koro” o el soberbio y primer single “Rollerskate”. Es un trabajo en el que, se destaca la perfecta conjunción de ritmos minimal netamente europeos con melodías de acordeones y el calor de las percusiones folklóricas latinoamericanas, abarca una cantidad de matices que pocos músicos se animan a experimentar. Ay Ay Ay es un disco para “bailar” en la pista o escuchar en el equipo musical de tu casa y de las dos maneras podrás disfrutarlo, sin dudas es una inyección de sangre latina para descongelar algunos ritmos germanos que suelen ser fríos como témpano.
Lean Ruano.

Recitales MARZO

Dentro del ciclo “Las crónicas del viento”, Lisandro Aristimuño se presentará todos los domingos de marzo a las 20 hs. en Niceto Club. Acompañado por Carli Arístide en guitarras y ronroco, Leila Cherro en chelo, Rocío Aristimuño en percusión, Martín Casado en batería, percusión y glockenspiel. A ellos se sumarán Lucas Argomedo en chelo y Claudio Cardone en piano. Habrá invitados especiales cada domingo.

CHARLOTTE GAINSBOURG - IRM

Es bien conocido todo lo que significa el apellido Gainsbourg en la cultura musical francesa y, por qué no, en el universo de la música en general.
Gainsbourg es sinónimo de chanson, de cabaret, de romances nocturnos… es el apellido mismo de la canción francesa por excelencia. El crooner Serge ya no está entre nosotros pero, su mágica música sigue asombrando e inspirando a muchas de las nuevas generaciones de artistas. Uno de ellos es sin duda el súper talentoso Beck, quien en esta oportunidad, tiene la tarea de producir y llevar a buen puerto el nuevo trabajo de la hija del gran compositor francés, Charlotte Gainsbourg, actriz y cantante. Ella sabe como nadie sobrellevar a la perfección la pesada carga de lo que significa ser “la hija de” y a su vez lograr tener un nombre propio, sustentado sobre la base de sus logrados trabajos en la pantalla grande. Tal es así que, en el año 2009 Charlotte ganó el premio como mejor actriz en Cannes por su trabajo en “Antichrist”, bajo las ordenes del director danés Lars Von Trier, unos años antes fue co-protagonista junto a Sean Penn en el film “21 gramos” y del que obtuvo excelentes críticas de la prensa especializada .
La actriz comenzó su carrera a los trece años impulsada por su madre, la cantante Jane Birkin, grabó un disco con su padre en el año 1986, “Charlotte For Ever”, siendo aún muy jovencita y en los años 90’s desapareció de la escena.
Han pasado ya tres años desde el lanzamiento de 5:55 (2006), en aquella oportunidad Charlotte se supo rodear de un verdadero dream team: Nigel Goldrich en la producción, el dúo de electro pop francés Air, Jarvis Cocker y Neil Hannon entre otros , para la realización del mismo.
Ahora en este flamante trabajo titulado IRM (imagen por resonancia magnética), nos encontramos con un álbum un tanto más variado y juguetón que el anterior, en el cual se destacan las exquisitas percusiones de “Voyage”, los trasnochados coros en “Time Of The Assasins” son realmente sublimes, la deliciosa melancolía que emana de “In The End” o la beatlera “Heaven Can Wait”, son pruebas más que suficiente de que Beck a salido ileso de este nuevo desafío, tanto en su rol compositivo como en el de productor. Es un trabajo sumamente notable, que ubica a Charlotte definitivamente como una cantante con estilo propio, con una firme personalidad, mudando su piel de actriz a cantante, como queda demostrado en canciones del calibre de “Tricky pony”, “Greenwich mean time” o “IRM” que le da nombre al álbum. El mismo da cuenta de que, hace unos años Charlotte Gainsbourg tuvo un accidente esquiando, a consecuencia de esto, debió someterse en varias oportunidades a este tipo de estudio médico, y por ello en su memoria quedó impreso el sonido que efectuaba la máquina de IRM. Sin dudas este es su mejor trabajo hasta la fecha, ya que, realmente logra imantarnos con canciones que perdurarán en nuestras cabezas por bastante tiempo, como la hipnótica resonancia de un IRM.

Lean Ruano.

THE FLAMING LIPS - THE DARK SIDE OF THE MOON

Un Lujo. Eso es lo que pensé cuando me entere que The Flaming Lips tenían pensado versionar “The Dark Side Of The Moon”, de Pink Floyd. Y qué decir cuando lo pude escuchar por primera vez en formato digital, ya que es la única forma de poder obtenerlo. Como anhelo que se edite en vinilo... supremo. ¿Se podrían imaginar como quedarían nuestros oídos? ¿Qué cara que pondríamos? Sí, como cuando éramos chicos y nuestros padres nos traían de regalo si se tratase ese juguete tan preciado.
La banda liderada por el gran Wayne Coyne, oriunda de Oklahoma, interpreta esta magnifica obra de arte en su totalidad, contando con la participación de Henry Rollins, Peaches y Stardeath and White Dwarfs (grupo del sobrino de Wayne Coyne, Dennis Coyne). A priori, como decía, ¡pintaba más que bien! Tras su escucha, llegue a la conclusión de que los Flaming Lips hacen uso y abuso de la psicodelia experimental en su máximo esplendor, sin ningún pudor a lo etéreo, a lo espacial, para precisamente, rendir tributo a un grupo que es pionero en la materia. Henry Rollins es el encargado de los diversos monólogos que aparecen a lo largo del disco; Peaches interpreta “The Great Gig In The Sky” de manera soberbia; Wayne y la banda de su sobrino se juntan para interpretar canciones tales como “Breathe” y “On The Run”, con aires más funkies. Con “Time”, los Flaming Lips intentan interpretar la versión original de Pink Floyd lo más similar posible, cosa que no sucede con las demás composiciones. Un punto bajo, quizás es la falta de esa dedicación sonora que se escucha del directo propio de los estudios Abbey Road, donde fue grabado el disco original en 1973. Sin embargo, todas las voces suenan con vocoder y las jams son bien orquestadas. Alguien puso algún tipo de orden ahí para cerrar una magnifica interpretación de una obra mas que fascinante. Cuando nos encontramos con un disco como este, no nos sirve extraer singles o canciones que nos gusten más que otras, sino que, debemos apreciarlo y escucharlo como un conjunto, como un concepto integral y harmonioso. Es una grandiosa pieza que, al menos para mí, es lo que “debe ser” la mismísima música y eso es lo que día a día hace que nazca en mi interior la pasión por investigar más y más, buscando y descubriendo nuevos sonidos que me intentan transmitir un mensaje inigualable. A disfrutarlo.

Diego Bochor.

MASSIVE ATTACK – HELIGOLAND

Esperado, muy esperado, el flamante álbum de los padres del trip hop se estuvo macerando por algo más de seis años, la espera llego a su fin y el sabor de este nuevo material es realmente delicioso.
Cuando todos pensábamos que el género, concebido en la ciudad portuaria de Bristol a principios de los años ’90, caminaba por la cornisa de la languidez destronado por el inminente crecimiento del dub-step, de la mano de artistas como Burial, Skream y Kode 9 entre otros. Recibimos en el año 2008 dos grandes noticias, en primer lugar la del regreso con nuevo álbum de estudio de Portishead con Third, el mejor disco de ese año junto con el Dear Science de los neoyorquinos de Tv On The Radio, y la vuelta a los orígenes de otro hijo pródigo de la ciudad, Adrian Thaws (Tricky) con Knowle West Boy retomando la senda que había perdido prácticamente dos discos atrás.
En este contexto Robert “3D” del Naja y Grant “Daddy G” Marshall nos entregan su nueva obra Heligoland, el disco comienza con “Pray For Rain” un piano profundo, tambores tribales y la voz de Tunde Adebimpe (Tv On The Radio), dándole cuerpo y sobre todo alma al gran tema inicial, la segunda estrella invitada es una vieja amiga de la casa la ex compañera de Tricky -Martina Topley Bird- alimentando con su sensual y cálida voz los temas “Babel” y “Psyche” .
“Splitting The Atom” y “Girl I Love You” son interpretadas por la característica y ya marca registrada voz de la leyenda reggae Horace Andy, único artista que participó en todos los discos de la banda.
También participa en “Saturday Come Slow” el líder de Blur y Gorillaz, Damon Albarn.
La música de MA siempre estuvo altamente identificada por ritmos narcóticos, texturas espesas y humeantes, bocanadas electrónicas matizadas con dub, jazz y hip – hop, esta no es la excepción, Heligoland no estará a la altura de sus obras maestra Blue Lines (1991) o Mezzanine (1998) pero, sigue manteniendo viva esa llama de sensual oscuridad e innovadores sonidos hipnóticos como solo ellos saben hacer, sin duda este álbum va a estar entre los mejores del 2010 y será el soundtrack que sazone el tránsito etéreo en la VIDA de muchos de nosotros.


Lean Ruano.

JULIAN CASABLANCAS - PHRAZES FOR THE YOUNG

Imposible hablar mal, ya a estas alturas de Julian Casablancas, líder y vocalista de The Strokes, agrupación que tanto me gusta y rememora viejos días de cuando escuchaba encerrado en mi cuarto tantos discos de la Velvet Underground como de John Cale y Lou Reed. Es de saber el éxito que tuvieron con su aclamado disco debut, This Is It en el 2001, siguiendo con maravillosas perlas como Room On Fire del 2003 y su última producción hasta la fecha, First Impressions Of Earth del 2006. Prometieron una nueva reunión y disco para este 2010… pero esa es otra historia que, si bien hablaremos en alguna que otra ocasión, ahora le dedicaremos unas líneas al debut en solitario de Casablancas, disco aparecido hacia fines del año que dejamos atrás. Compuesto por 8 magnificas canciones, producidas por Jason Lader (bajista y productor, quien trabajara junto a The Mars Volta, Furslide entre otros.) El disco se grabo entre las ciudades de Nueva York, Los Ángeles y Nebraska, bajo el título de Phrazes for the young, tomado con referencia a “Phrases And Philosophies For The Young” del escritor Oscar Wilde.
Prejuzgado ante la primera escucha por la critica como pretencioso, narcisista, sobrecargado de teclados, me llevaban a pensar en que, definitivamente era algo nuevo que debía escuchar, no solo por su autor, sino porque, advertía mucha voluntad de inspeccionar sobre nuevos terrenos, dejando bien en claro que, todo cambio no tiene porque ser para mal cuando la fórmula que se lleva adelante es con éxito. Estupidez de mi parte hubiese sido hacerle caso a dicha critica sin ni siquiera haberle dado alguna que otra oportunidad.
Phrazes For The Young está compuesto por, un conjunto de grandiosas canciones que remiten a un sonido bien de los '80 con chispas del mejor synth pop rock, con mucho predominio de teclados, nunca descuidando su escuela, y por sobre todas las cosas, sin encerrarse en una formula cajonera. Existe mucho trance experimental e introspectivo pero bien apto para el oído medio. La canción que abre el disco “Out Of The Blue” es el claro ejemplo a los sonidos nuevos que reproduce en los siguientes 7 temas aunque, se pierde a los 15 segundos ya que dicho tema tranquilamente hubiese encajado en cualquiera de los discos de los Strokes. El costado electrónico y bien synth pop se despierta en la siguiente “Left And Right In The Dark”, por lejos una de las mejores canciones del disco. Hay una canción llamada “4 Chords Of The Apocalypse” que, fue escrita junto a sus compañeros de grupo (The Strokes), al que él mismo se encargo de transformarlo en blues semi desgastado. Los primeros segundos de “Ludlow St” parecen sacados de “Low” de David Bowie aunque, después dispare para el lado mas country. También se da lugar para alguna que otra balada, “Glass”, donde apunta a romper algún que otro corazón, sobre todo por su letra romántica. Es “11 The Dimension” su primer corte y con el nos deja un sabor agradable, simpático, con ganas de volver a escuchar cualquier disco de los Strokes pero, sabiendo que mas allá de este corte, Casablancas puede dar mas.
En sumas cuentas “Phrazes For The Young” redondea un disco electro pop con canciones muy convencionales, lo llevan a uno a pensar que, lo que hizo Casablancas en este álbum, ya lo escuchaste miles de veces antes pero, es notoria su mano en todos los arreglos del disco, de toda su originalidad y es justo ahí donde “Phrazes For The Young”, paga por si solo.


Diego Bochor.

Los 5 discos del 2009 (por Diego Bochor)

GLASVEGAS – Glasvegas

Oriunda de Glasgow, ha conseguido con su aclamado disco debut, hacer pop sin que suene a pop, como tanto pedía a gritos el genial Jim Reid, de los siempre queridos The Jesus & Mary Chain. Compararlos con ellos quizás suene a demasiado pero, demás esta elogiarlos. Una constante, bien ambientada de histeria y melodía con trama ochentoso. Canciones como “Geraldine” de bonita melodía, “Daddy’s Gone” bien sofisticada, “Lonesome Swan” mas convencional, y “Go Square Go” bien al estilo My Bloody Valentine, realmente hablan por si solos, dejándonos la puerta abierta a un futuro segundo disco.

PORCUPINE TREE – The Incident

Cuando hablamos de Porcupine Tree es hablar de, rock bien progresivo de muy alto nivel. Su nueva obra maestra, “The Incident”, resulta ser un nuevo disco conceptual compuesto por un único tema (“The incident”), dividido en 14 partes, más un disco extra que contiene 4 canciones que no resultan ser para nada de relleno. El titulo del disco hace referencia, según palabras de su cerebro Steven Wilson (cada vez más fino como artista), en querer humanizar historias que tienen un punto en común: han sido tratadas fríamente como simples “incidentes”, a raíz de un atasco de tráfico causado por un accidente. Su mejor disco desde su monumental obra maestra editada en 1995, “Signify”.

PHOENIX – Wolfgang Amadeus Phoenix

Cuarto y excelente trabajo de los franceses que cuenta con el placer de comenzar con 2 de los mejores temas de toda su carrera: “Lisztomania”, frenética y cargada de energía, y “1901” con ritmos mas rockeros. En estas dos canciones esta toda la esencia mágica del nuevo disco, la perfección de la formula Phoenix, mucho menos rebuscada que en su anterior LP, “It’s Never Been Like That”, en esta ocasión es una pieza bien apta para cualquier oído

PETER DOHERTY – Grace/ Wastelands

El mesías del rock británico, debuta de manera solista tras sus propios pasos dados en los fenomenales The Libertines y posteriormente Babyshambles. Este británico, que vuelve locas a las mujeres, como bien se autocalifica, dejo de lado los problemas legales y dio a luz un gran disco debut. Contó con la magnifica producción de Stephen Street (The Smiths) y con la colaboración de músicos tales como Graham Coxon (Blur) y Dot Allison, así como, todos sus compinches de Babyshambles y Carl Barat, fiel socio en The Libertines. Un gran disco de cantautor que, hace explorar nuestros corazones con melodías tendenciosas, muy folkies por momento, pero que, engrandece su figura y deja abierto su crédito a futuro.

GUSTAVO CERATI – Fuerza Natural

Un viaje cósmico, como una comunión o una celebración. Finos arreglos, una banda que se sostiene con nombres de la talla de Gonzalo Córdoba (Suarez), Richard Coleman, Leandro Fresco, Fernando Nale, Fernando Samalea, y Anita Álvarez de Toledo, redondean una obra del alto optimismo melódico, mas espacial y mas acústico que su antecesor “Ahí Vamos”, pero tan grande y positivo como todo el halo de grandeza que lo rodea. Puntos bien altos en “Convoy”, “Naturaleza Muerta” (sorprendente voz, cada día mas perfecta y armoniosa), “Sal”, y “He Visto a Lucy” redondean un álbum bien sensual, su mejor obra desde “Bocanada” (1999).

Los 5 discos del 2009 (por Lean Ruano)

Yeah Yaeah Yeahs - It’s Blitz!

Su tercer trabajo en estudio es una exquisita mezcla de electro pop con un sorprendente rock de guitarras casi punk. El trío neoyorquino comandado por la cantante Karen O y producidos por David Andrew Sitek (Tv On The Radio) nos deleitan con su mejor trabajo hasta la fecha. El discotequero arranque con “Zero” es sencillamente demoledor, también se destacan
“Runaway” y “Dull Life”.


Joe Henry – Blood From Stars

Es sorprendente como este cantautor/ productor nacido en Carolina del Norte posee la habilidad de bucear de tan buena forma en las aguas del jazz trasnochado, el blues de salón o la música country americana con tanta naturalidad
Una obra magistral sin fecha de vencimiento, sin lugar a ninguna moda pasajera solo a la buena música, que el gran Joe nos tiene bien acostumbrados a brindar, sin dudas uno de los mejores lanzamientos del 2009.

PJ Harvey & John Parish - A Woman A Man Walked By

Segundo trabajo en conjunto para esta pareja que, parecen jugar a ver dónde esta el limite del escucha, hasta donde uno es capaz de escuchar sin la necesidad de cambiar al tema siguiente. Polly Jean & John se han propuesto incomodar y lo logran de sobrada manera, en un trabajo donde, cada tema es distinto al anterior y parece no trazar una linealidad, lo cual lo transforma en una joya difícil de apreciar en una primera escucha pero cada composición ilumina con brillo propio .


Wilco - Wilco (The Album)

Por si quedaba alguna duda dando vueltas por el éter… Wilco es una banda grandísima, formidable, Jeff Tweedy se encuentra en un nivel compositivo altísimo, tiene el don de emocionar, de tocar la fibra mas íntima de cada destinatario, ya sea en una balada o en un rock n’ roll, rasgando su acústica o distorsionando nuestros sentidos el hijo directo de George Harrison nos deja boquiabiertos con canciones como “You and I” junto a Feist, “I’ll Fight”, o “Bull Black Nova”.

Sonic Youth – The Eternal

Suena “Sacred Trickster” tema que abre el último trabajo de los creadores del noise pop y en apenas 2 minutos y 11 segundos queda claro de que la van Kim Gordon y los suyos. Guitarras distorsionadas y desafinadas acompañando melodías pop que suenan mas frescas e inmediatas que nunca, como escuchar “Leaky Lifeboat” dedicada al escritor Gregory Corso, ¿volver a las fuentes? Puede ser, pero bebiendo de un agua plena de juventud.