Intentar no caer en una catarata de adjetivos es casi una tarea imposible cuando uno escucha la última producción de Walter Malosetti, Esencia. ¿Cómo hacer semejante cosa? ¿Cómo se puede no decir que éste es un disco delicioso, y atrapante de principio a fin con su swing incomparable? Y es que Walter, con sus jóvenes 81 años, nos vuelve a entregar una clase del mejor jazz, from the beggining, alternando piezas propias con versiones de clásicos hasta conformar un repertorio de catorce piezas que se pueden degustar lentamente, con un aperitivo al lado, sumergiéndose en cada uno de los sonidos de esta labor de amor, y descubriendo maravillas en cada nueva escucha.
Para grabarlo, Malosetti se rodeó de instrumentistas de calidad como Mauro Vicino y Walter Coronda (ambos, guitarra rítmica), Guillermo Delgado y Pablo Carmona (ambos, contrabajo), y Pablo Gignoli (bandoneón); además de contar con la colaboración de Fernando Lupano (contrabajo), Larry Martin (batería) y Marcelo Peralta (saxo tenor), estos tres últimos, músicos con los que Walter tocó en su gira por España y que en Esencia aparecen en un par de piezas grabadas en vivo. En resumen, en este trabajo brilla el Malosetti maestro de jazz, y si “esencia” es “el conjunto de características permanentes e invariables que determinan la naturaleza de un ser”; este álbum se ciñe a ese significado.
Este es un disco de jazz clásico, pero fresco y atemporal, en sintonía con un estilo nada anquilosado, como una verdadera joya de estos tiempos. Esto se aprecia en varias composiciones propias como la rítmica, sinuosa e irresistible “Papo Blues” (¿podría haber un homenaje más original al Carpo que este?), o la genial “Vale Blues”. En “Anay” el bandoneón de Gignoli añade a la música de Malosetti un sonido bien melancólico y rioplatense, redondeando un contrapunto instrumental de alto nivel. “Roxana” es una pieza sutil y encantadora; y “Ushuaia, 79, Al Fin” se destaca por su dinamismo y rítmica sin par. Mientras que en “Calle de Peligros” Walter se encarga de sintetizar, en apenas dos minutos y medio, lo mejor de la alcurnia del jazz argentino, el del gran Oscar Alemán, al que Walter conoció y admiró siempre.
¿Y de las versiones qué podemos decir? Simplemente, impecables. Desde “Four” (Miles Davis), pasando por el hiper clásico “Take the “A“ Train” (Billy Strayhorn), la incomparable “Scrapple from the Apple” (Charlie Parker), “Nuages” (Django Reinhardt) o “Cherokee” (Ray Noble). Pero si hay una versión que se lleva todas las palmas esa es “Soledad”, el hermoso tango canción de Gardel y Lepera, en donde el tandem formado por Malosetti y Gignoli realiza un sentido y respetuoso homenaje con otra impecable interpretación. Finalizan el disco dos bonus tracks en vivo: “Sara”, una hermosa canción escrita y dedicada por Walter a su mujer; y “Neco Blues”, otra dinámica e irresistible composición propia. Ok, ya sé, fallé... Pero, ¿cómo se podía hablar de Esencia sin adjetivos mediante? ¡Imposible! Y más cuando uno se encuentra con un álbum como este, ideal tanto para el oyente de jazz neófito como para los adictos a esta música que nunca dejará de apasionarnos...
En 1965, Lou Reedformó The Velvet Underground, la banda de culto que lo llevó -aunque muchos años después- a la fama y el reconocimiento mundial. Si bien la Velvet tenía además otros integrantes talentosos, Reed era, en términos generales, el auténtico creador de aquella materia poético-musical. Este visionario dentro de su época creó una estética; y no sólo fue un precursor en lo estilístico musical sino también en lo humanamente actitudinal.
Simon Reynolds en su libro Después del Rock (2010) habla de los años del postpunk y dice que "ciertas figuras como John Lydon o Mark E. Smith de The Fall se adecuan al síndrome del intelectual anti-intelectual: lectores voraces y sin embargo, desdeñosos respecto del arte en sus formas institucionalizadas". Bueno, esto se observa en Reed con 10 años de anticipación.
Aunque, por esos años, The Beatles lanza su explosivo álbum Help! con baladas como “You’ve Got to Hide Your Love Away” o “You’re Going to Lose That Girl”, y ni hablar de “Turn! Turn! Turn!” de The Byrds, por nombrar sólo algunos; a lo que se suman los avances de un garaje rock como el de The Kinks o el de los australianos The Easybeats, nada se puede comparar con el quiebre que marcó la Velvet, un verdadero punto de inflexión. Faltaban entre uno y dos años para que lleguen Floyd con The Piper at the Gates of Dawn, The Mothers of Invention con Freak Out!, The Crazy World of Arthur Brown con Same. Pero en 1965 aún no había surgido el verdadero “estallido”. Phil Strongman (La Historia del Punk, 2007) señala: “incluso en una época que abrazaba la liberación sexual, las canciones de Reed siempre parecían ir más allá. Escribía sobre una Nueva York nocturna (un mundo plagado de drogas, alcohol, ladrones, travestidos, putas y cafeterías abiertas las veinticuatro horas) de la que incluso los más modernos y jóvenes neoyorquinos no querían saber nada”.
Curiosamente, en una entrevista para el diario El País durante el año 2008 Reed muestra una postura hostil cuando el periodista pregunta si no cree que al igual que él, con The Velvet Underground, Jim Morrison rompió los esquemas de lo que se podía cantar en el rock, y contesta que Morrison “no hacía más que reciclar letras del blues”, para finalmente levantarse y desaparecer rumbo a su habitación. El periodista no duda en afirmar que “Lou no quiere adentrarse en esos años”. Luego, en otra entrevista para el mismo diario durante el 2010, el músico advierte: “Cualquier conversación sobre The Velvet Underground le parecerá a usted una entrevista, pero a mí solo me suena a un buen montón de mierda”.
Me pregunto si se puede conceder tal extremismo. Quizás lo único que lo explique sea el cansancio de un hombre que se hartó de luchar para salir de la jaula a la que lo confinaron los medios masivos (y no tan masivos) de comunicación.
Son muchos los artistas que toman cierta actitud despreciativa hacia la época en la que iniciaron su carrera pero más allá de eso, y en este caso, lo innegable es el carácter emblemático para la historia del rock, del arte y de la vanguardia que Lou Reed imprimió en The Velvet Underground.
Los Black Crowes fueron la banda encargada de redefinir el
rock n’ roll en la década del noventa con discos que sudaban mucha ruta y polvo
sureño, ese linaje que heredaron de grupos como Lynyrd Skynyrd y The Allmand
Brothers, la trilogía inicial de los de Altlanta se escribe en las paginas grandes del rock Shake Your Money Maker (1990), The
Southern Harmony and Musical Companion (1992) y Amorica (1994) son discos
indispensables en cualquier discoteca rockera. Comandados por los hermanos
Chris Robinson en voz y Rich Robinson en guitarras y coros, fueron forjando una
carrera al costado de todo tipo de modas de la época llámese grunge o rock
alternativo, ellos siempre en la suya tocar rock n' roll. Tras ocho discos de estudios
y los distintos cambios de formación los hermanos Robinson se toman pequeños
espacios para dedicarle tiempo a sus proyectos solistas y cada tanto volver a
rockear con los cuervos.
Chris el mayor de los hermanos dio el puntapié inicial de su
carrera solista en el 2002 con New Earth
Mud, al cual le siguió This
Magnificent Distance en el 2004.
Este nuevo proyecto al cual se suma el guitarrista Neal
Casal (ex Cardinals junto a Ryan Adams) es un conjunto de canciones con tintes
psicodélicos y varios pasajes instrumentales anclado en la década del setenta
digno de las jams de Grateful Dead o los Jefferson Airplane ese es el espíritu
que sobrevuela este lisérgico Big Moon
Ritual, un disco completamente fuera de los cánones que maneja la industria
discográfica hoy en día de consumo rápido y voraz , para disfrutar de este
trabajo hay que tomarse su tiempo y escucharlo repetidas veces, canciones de
catorce minutos como “Tulsa Yesterday” encargada de abrir este vuelo lunar no
es lo que abunda hoy en día y mas allá de la música un trabajo como este se
agradece por eso porque no importan los limites. Chris Robinson hace lo que
tiene ganas de hacer desde la soulera “Rosalee” pasando por la melancólica
“Beware, Oh Take Care” o los brillantes solos de “Star or Stone” y “Tomorrow
Blues”, un álbum que recorre todos los matices y variantes del genero. Está claro que no va a ser un disco clásico que todos recordaremos eternamente pero
tampoco creo que ese sea el objetivo final de Robinson y sus nuevos compañeros
de ruta sino mas bien disfrutar haciendo la música que llevan en la sangre y
seguir germinando la semilla del rock n’ roll que es algo que saben hacer de
sobrada manera.
A morir fue el segundo trabajo discográfico de Catupecu Machu y su único cd grabado en vivo. De esta manera el disco se compone como un testimonio que captura la esencia original de este grupo, nada más ni nada menos que en el mítico escenario rockero de Cemento. La vivencia directa de un fenómeno que se estaba gestando; con la rareza de que el disco retrata fielmente cada segundo de ese concierto, brindado la oportunidad no sólo de acceder a las canciones, sino también a esa atmósfera que sólo el rock under puede generar.
En esos tiempos, allá por el 98´, Catupecu se formaba como un power trío con un estilo completamente distinto al que nos tiene acostumbrado en los últimos años. Fernando Ruíz Díaz, en guitarra y voz, Miguel Sosa (luego creador de Cuentos Borgeanos) en batería y percusión, sumados a Gabriel Ruíz Díaz sacándole chispas al bajo, componían un psycho punk cargado de fuerza, de distorsión y una energía que hacía saltar hasta a quien no quería. Nada de efectos sonidos, ni computadoras, solo el poder de los instrumentos y la voz. Probablemente este no sea el período de máximo esplendor de la banda, visible luego en discos como Cuentos Decapitados, Cuadros dentro de cuadros o El número imperfecto. Sin embargo aporta la posibilidad de acceder a los inicios del grupo y a una comprensión de cómo la banda fue forjando ese estilo hard rock electrónico que los llevó al éxito.
La propuesta de Catupecu en A morir, fue considerada arriesgada, dado que ninguna banda hasta el momento en Argentina se había atrevido a grabar un cd totalmente en vivo, sin arreglos, algo completamente innovador. No obstante el grupo lo consideraba algo natural, argumentando que dado que sus shows, al igual que los de las demás bandas del circuito underground, eran grabados por el propio público en casetes, no veían razón alguna de no hacerlo ellos mismos con mejor sonido y producción. En el concierto tocaron canciones de su anterior disco Dale! con el agregado de cinco temas completamente inéditos. La apertura la brinda “Nocoso” tema totalmente punk con la batería a mil y una letra monotemática compuesta de una única palabra. Manteniendo el ritmo y el vértigo le sigue “Todo pasa todo queda”, “Los tres deseos”, “Testigo criminal” y “Apirié omaparé piaroló” con la vibración y la energía en la voz de Fernando, acompañados por solos de bajo y guitarra a pura distorsión. Un ritual de potencia que se observa también en un tema con mucho mas contenido como “El lugar”, luego re-versionado varias veces por la banda en diferentes conciertos y CDs. Una de las perlas que decora el cd es un cover excepcional del tema “Héroes Anónimos” de Metrópolis (banda pop argentina de los 80´). En el recorrido aparecen algunos hits de la banda en esos momentos como “Calavera deforme” y “Le di sol” canciones que grafican claramente ese estilo hardcore punk con un ritmo y letra surrealistas y psicóticos. Con una excepcional línea de bajo con el sonido único que aportaba Gabriel Ruíz Díaz. Un gran tema que se destaca en el disco es “La llama”, también con fuerza y emoción, pero con más poética, reflexión y un excepcional riff de guitarra que queda grabado en la memoria, tal vez marcando el camino hacia el futuro del grupo. En este plano aparecen en el disco temas mucho mas sentidos, bajando un poco las distorsiones y dando protagonismo a la voz, dentro de los que se destacan “Cuantos son”, “Mil voces finas”, “El sueño” y “El rostro”. Con respecto a las influencias presentes en el disco se puede observar incluso un tema que mezcla el hard rock y el folclore como “Ritual” casi como una búsqueda de sonido más allá del punk.
Infaltables en todo concierto de Catupecu Machu dos temas que incitan y promueven el pogo como ninguno. El primero “La polca” un tema inspirado en las polcas nórdicas pero cuya letra no posee conceptos, sino palabras inventadas por la banda que acompañan la música. Esta canción cuenta con la participación de Javier Herlein en acordeón, quien luego se convertiría en baterista de la banda.
El segundo “Dale!”, tema icónico de la banda que nos va arrastrando con un sonido envolvente y que deja los silencios y ritmos necesarios para que se genere ese rito rockero donde no importa nada más que chocar y disfrutar de la música. Un tema para generar revoluciones, que invita al perpetuo movimiento y que todo fanático de la banda, que se precie de tal, quiere escuchar en cada concierto.
Dentro del disco la banda escribió unas palabras que buscan mostrar la filosofía del álbum y que es bueno destacar para acceder a la fibra más íntima de este particular trabajo: “Se nace con todo. La vida siempre es vida en sí misma, es un extremo y los extremos de más vida, en que la vida baila y grita y se destuerce y sale. Son esos momentos que quedan grabados en relieve. Son esos en que la última gota de transpiración que queda parece estar por dejarnos, que los huesos están por salirse, que la emoción es uno mismo… Siendo uno y todos a la vez.”
Tal vez de eso se trata, de un sentimiento compartido que va mas allá de la música, que busca rebelarse, que busca correr, saltar y gritar. Un sentimiento que desborda lo armónico y que se transforma en pura energía, con un toque de locura.
Gustavo E. Rosatto.-
Este es un disco de jazz clásico, pero fresco y atemporal, en sintonía con un estilo nada anquilosado, como una verdadera joya de estos tiempos. Esto se aprecia en varias composiciones propias como la rítmica, sinuosa e irresistible “Papo Blues” (¿podría haber un homenaje más original al Carpo que este?), o la genial “Vale Blues”. En “Anay” el bandoneón de Gignoli añade a la música de Malosetti un sonido bien melancólico y rioplatense, redondeando un contrapunto instrumental de alto nivel. “Roxana” es una pieza sutil y encantadora; y “Ushuaia, 79, Al Fin” se destaca por su dinamismo y rítmica sin par. Mientras que en “Calle de Peligros” Walter se encarga de sintetizar, en apenas dos minutos y medio, lo mejor de la alcurnia del jazz argentino, el del gran Oscar Alemán, al que Walter conoció y admiró siempre. 
