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lunes, 22 de agosto de 2011

SIGUIENDO LOS PASOS DEL MAESTRO, entrevista a Juan del Barrio

Sin lugar a dudas, es uno de los mejores y más versátiles tecladistas argentinos. Desde muy chico se codeó con los más grandes exponentes del rock nacional. Pero esto que escribo acá son tan solo palabras y la más pura verdad se hace presente sólo en la música y es ahí, en ese momento mágico, cuando se destaca Juan del Barrio. En verdad, es un placer escuchar como le da vida a una canción. Algo de eso sentí, una vez, cuando lo vi tocar “Himno de mi Corazón” en un programa de televisión, arropando al clásico del gran Miguel Abuelo de su propia esencia musical. Además de su labor interpretativa y de composición, Juan se destaca por la forma en que enseña a tocar el piano. Sus métodos innovadores -que incluyen la enseñanza de armonía y recursos creativos- se basan en un aprendizaje personalizado que le permite al alumno a disfrutar, sin apuros, mientras aprende, algo que muchas veces la enseñanza tradicional nos hace olvidar…
Por Emiliano Acevedo.-


¿Cuales fueron tus inicios en la música?
Nadie sabe, a ciencia cierta y demostrable, cuáles fueron los comienzos de mí relación con la música. Desde mi punto de vista, fue durante mi gestación, en el vientre de mi madre, ya que ella era cantante lírica. Mis comienzos como músico aficionado activo, fue a los 9 años, cuando mi padre me regaló una guitarra de casa Núñez. Dos años después, incorporó la batería, una gran pasión, y finalmente a los 12, 13 años empecé en el piano.

¿Y por que elegís el piano como tu instrumento?
Porque en determinado momento en mi casa apareció un piano. Luego fui descubriendo en él, una herramienta muy importante para la composición.

¿Cuáles fueron tus influencias musicales durante esos primeros años?
Música clásica, Sandro, Palito, Johnny Tedesco, Javier Solís, José Feliciano,
The Beatles, Hermans Hermits, The Monkees, Los Gatos, Conexión Nº 5, La Joven
Guardia, Los Iracundos, Serrat, Santana, Creedence Clearwater Revival, Almendra,
Manal, Vox Dei, Carlos Scorza, Ricardo Gutiérrez (Otto), Cachón, Lucho Canosa

¿Y qué estilos musicales preferís actualmente?
Música clásica (por decirlo de alguna manera), Rock Sinfónico, Pop, toda la música que me guste que puede pertenecer a cualquier estilo.

¿Cómo llegas a MIA? ¿Que recordás de aquella experiencia?
A MIA llegás en un tren que va a Boulogne pero te bajás en Villa Adelina… (risas)
MIA, agrupación de la que fui fundador, fue para mí una plataforma experimental musical que me permitió concretar públicamente mis primeras composiciones y perfomances, a través de conciertos y discos. Compartí esta nutritiva experiencia con Nono Belvis y Daniel Curto (con quienes venía tocando antes junto a Ricardo La Civita, y Ricardo Medina (Mío)), además de Lito Vitale, Liliana Vitale, y el resto de los integrantes de las diversas agrupaciones que conformaban MIA.

Luego te integras a Sr. Zutano, ¿por qué no pudieron redondear esa experiencia en un disco?
No se por qué. Fue la primera banda de Jazz rock argentina. La integramos Pomo (Héctor
Lorenzo), Lito Epumer, Frank Ojstersek y yo. ¡Fue una experiencia muy excitante! Me costó asimilar el jazz, un estilo musical caracterizado por virtuosas perfomances interpretativas instrumentales, basadas en improvisaciones melódicas sobre armonías previsibles. Yo venía del rock Sinfónico, estilo musical que sigo admirando, donde el potencial creativo está puesto en composiciones de cierta complejidad armónica y formal, con pretensiones tímbricas sinfónicas.

¿Cuándo te llama Spinetta para que te integres a Jade? ¿Que recordás de esa experiencia?
En el año 1980. Fue la oportunidad de tocar a lo grande con músicos fuera de serie como PomoPedro Aznar, Lito Vitale, Diego Rapoport, Beto Satragni, Frank y nada menos que Spinetta y todo su bagaje artístico, dramático y humano.

Después estuviste en Suéter…
Sí. Suéter fue una gran (y mi queridísima) banda de pop, enriquecido y deformado por Miguel Zavaleta, Jorge Minisale, El Fleque, Rogatis, Gustavo Donés, Daniel Colombres, José Luis, Pato Loza, etc.

¿Cómo fue trabajar con una leyenda como Miguel Abuelo en el disco Cosas Mías?
Fue muy enriquecedor compartir con semejante personalidad, además de Gustavo Bazterrica, Cachorro López, Andrés Calamaro, Daniel Melingo, Polo Corbela, Alfredo Desiata, Willy Crook, Pato Loza, Gringui Herrera. Cuando Miguel se enfermó no continuamos tocando.

¿Y cómo sigue tu trayectoria musical luego de los Abuelos?
Me dedico a la música incidental y obras de teatro donde puedo desplegar mi potencial como compositor. En el año 1996 se edita Piano, mi disco de piano solo y dos pianos, que presenté junto a Fernando Aguirre.

¿Qué recordás del trío eléctrico que formaste junto a Malosetti y Pomo?
El debut del Trío Eléctrico fue con Pomo y Javier Malosetti por única vez, y alcanzó su madurez junto a Claudio Eidler y Daniel Copquin.

¿Qué balance hacés acerca de las distintas bandas que integraste?
Sin lugar a dudas, lo que queda de una banda es su música, pero ésta es forjada por las vivencias de las personas que integran estas bandas, para quienes guardo en mi corazón un lugar permanente.

¿Cómo es para vos componer música incidental?
Componer música incidental es una de las actividades en la que me siento más creativo.
Obras de teatro: “Telarañas” (dirigida por Ricardo Bartís), “Nada Bueno Dorotea”, “El Alma Secreta de las Cosas” y “La Noche” (dirigidas por Sergio Dángelo).

¿Cuales son tus proyectos actuales?
Hace muchos años que enseño música, más de 20, y en este momento estoy escribiendo unos libros didácticos, para piano, que me gustaría empezar a editar a fines de este año o el próximo.
También estoy tocando con Palo Pandolfo, junto a Raúl Gutta, Titín Naves, y Mincho Garramone y posiblemente el año próximo haga alguna presentación con mi música.

¿Cómo ves el panorama actual con la caída de la industria discográfica y el auge de las descargas vía Internet?
Muy bien desde el punto de vista de la difusión de la música, ya que no hay medio más poderoso para este fin que la Web. Desde el punto de vista industrial, entiendo que la evolución de las herramientas tecnológicas para generar productos musicales, ha puesto al alcance de la mano, vehículos muy diversos que dejan algo atrasados a los discos y las hasta ahora habituales maneras de comercializarlos.
Secuencia Inicial.-

martes, 16 de agosto de 2011

JUNIOR BOYS - IT’S ALL TRUE

Cuarto Trabajo en estudio para el dúo Canadiense formado por Jeremy Greenspan y Matt Didemus, los Junior Boys se caracterizaron desde sus comienzos con el álbum Last Exit (2004) por un sonido electro pop minimalista, bases oscuras y downtempos texturas que profundizaron en So This Is Goodbye (2006) su disco mas aclamado hasta la fecha, un trabajo que amalgama a la perfección melodías pop de alta costura con ritmos electrónicos , este trabajo los llevaría a estar elegido entre los mejores discos de aquel año, tres años mas tarde editaron lo que seria su trabajo menos trascendente Begone Dull Care en colaboración con el pianista de jazz Oscar Peterson y todo parecía acabado para los canadienses , formulas repetidas y cierta monotonía no auguraban un buen futuro para el dúo.
It’s All True es un trabajo menos pretencioso y mas relajado, un disco que va directo al grano sin ser rebuscados mantienen la dosis justa de pop sofisticado combinada con los pulsos electrónicos necesarios para disfrutar en la pista de baile.

“Playtime” y “The Reservoir” tienen la impronta propia del grupo esa mezcla de synth pop con house de sus dos primeros álbumes pero no logran tocar en el oyente esa fibra emocional que si acariciaban con aquellos trabajos, este nuevo disco tiene muy buenas canciones como “Itchy Fingers” o “You’ll Improve Me” pero cuesta encontrar donde radican las nuevas ideas del duo, es el trabajo con mayor influencia propia lo cual nos da ciertos indicios de conformismo. Lo que es innegable a esta altura es el reconocimiento de un sonido propio, lo que en su génesis fue inevitablemente comparado con bandas como New Order o Depeche Mode, hoy goza de una identidad propia, quizás la búsqueda de sonar un tanto mas accesibles y menos gélidos que en producciones anteriores sea el mayor logro de It’s All True, alejándose de cierto halo minimalista y arropando las melodías con ropajes mas calidos. 

Los Junior Boys volvieron con un trabajo de formulas viables girando la cabeza y mirando por detrás de su propio hombro, nada mejor para seguir adelante que volver a los terrenos ya conocidos y donde uno mejor se maneja podrán decir algunos, pero ojo no hay mucha creatividad en recorrer dos veces la misma senda. El disco se despido con “Ep” de refinada melodía pop y “Banana Ripple” el hit del disco sin lugar a dudas, también hay lugar para el dubstep con “Kick The Can”, se agradece este nuevo trabajo de bonitas canciones pero mucho mas bienvenido estaría uno con ideas nuevas y renovadoras.
Lean Ruano.-

FRIPP, COLLINS y JAKSZYK: A SCARCITY OF MIRACLES - A King Crimson ProjeKct

Con este 2011 llegó, por fin, la nueva obra-elucubración de Robert Fripp: A Scarcity of Miracles. Este es un proyecto que vuelve a unir a Robert con el gran saxofonista Mel Collins y que cuenta con la participación del vocalista y multiinstrumentista Jakko Jakszyk. Pero la pregunta del millón, sin dudas, es: ¿Esta es una nueva encarnación de King Crimson? Umm… ¡Qué difícil de contestar! Lo que está más que claro es que –salvando las distancias, claro está- A Scarcity… recupera (un poco) aquel sonido con pizcas de jazz de vanguardia orquestal, de discos de los ´70 como Islands y Lark's Tongues In Aspic; experimentaciones explosivas, arduas, extensas y fructíferas que llevaban a la música hacia límites a los que no podían no llegar (ni por asomo) otros grupos contemporáneos; así como algunos toques de otras épocas de la banda como los de Starless And Bible Black, Red o Three Of A Perfect Pair (tres obras que no tenían nada que ver entre sí). Si bien Fripp continua sendas iniciadas en tiempos más recientes, como las de Thrak o Power to Believe; está más que claro que este nuevo disco es una vuelta al KC de los ´70, en especial en sus momentos más calmos. Por su parte, Jakko Jakszyk –que es un vocalista correcto, aunque no descollante- cumple una labor interesante y valiosa (y más teniendo en cuenta a que entre sus antecesores figuran verdaderas leyendas como Greg Lake, John Wetton o Adrian Belew). Tampoco es este un disco fácil de asimilar, ya que necesita muchas escuchas atentas y pacientes para ser degustado en su justa medida. Así que –lamento desilusionarlos- pero aunque en esta nueva obra no sea tan desbocadamente experimentadora –e insoportable- como Construction of Light (2000), eso no quiere decir que A Scarcity of Miracles sea un disco de canciones para cantar bajo la ducha, aunque contenga un sonido intimista y sutil. En resumen, lo “nuevo” que tiene este disco nuevo de “Crimson” es el hecho de sintetizar o, mejor, repasar buena parte de las vidas musicales (pasadas) del grupo de Fripp, a la vez que continua la senda de la experimentación musical, ampliando el espectro, y haciendo que lo viejo siga siendo innovador. En lo que respecta a lo instrumental, se destaca el impecable Mel Collins, quien crea variados momentos climáticos con su saxo, resucitando su matrimonio musical junto a Fripp, por primera vez desde el clásico Red (1974). Sin lugar a dudas (al escucharlos) uno no puede dejar de pensar que Fripp y Collins tienen un entendimiento musical casi telepático. Tampoco podemos dejar de nombrar a la sólida base formada por los dos músicos invitados a este proyecto: el siempre vigente (e imprescindible) Tony Levin y el baterista Gavin Harrison (uno de los más destacados de la actualidad).


“A Scarcity Of Miracles” es el temazo que abre el disco y se parece a lo que hacía Crimson en Thrak (su exitoso regreso de 1995); una canción ambiciosa, con variedad climática y sutil. No se podía esperar un mejor comienzo que éste para el disco (en especial debido a la labor de Collins, quién la deja chiquita con su espléndida perfomance en el saxo). “The Price We Pay” tiene un sabor oriental muy atractivo, con muy buenas instrumentaciones y mantiene la buena senda anunciada por el tema de apertura. Se destacan aquí nuevamente los saxos de Collins, sumados a los soundscapes de Fripp. Gavin Harrison hace una labor correcta en la batería, pero no deslumbrante (algo que se repite a lo largo de casi todo el disco). “Secrets” es un tema un tanto más lento en ritmo y baja la intensidad preanunciada en las dos primeras canciones del disco, sin embargo no deja de tener un cierto atractivo y se deja escuchar, especialmente por Jakszyk, quien realiza un trabajo vocal destacado, y (nuevamente) por Collins. “This House”, por el contrario, es una larga experimentación algo aburrida, con coros repetitivos y tambaleantes, además de incluir muchos colchones y capas varias de teclados por todas partes. Una canción que sonaría bien en un disco de Sting -tocando el laúd, por ejemplo- pero que al mundo crimsoniano le aporta más bien poco, más allá de su poder soporífero… ”The Other Man” es un tema explosivo y paranoico, y uno de los mejores momentos del disco. Incluso, Fripp se anima aquí a recordar (brevemente) una melodía de su pasado cuando cita el riff de “The ConstruKction of Light” (2000). En esta canción se destaca Gavin Harrison, realizando una labor percusiva magnifica, sumamente opresiva y omnipresente. Lamentablemente los aciertos se terminan en -el ultimo tema del álbum- “The Light Of Day”, una canción que arranca bien con un solo de Fripp, para luego perderse en un previsible “dialogo” (teledirigido) entre la voz de Jakszyk, el saxo de Collins y los sucesivos solos de Fripp... Una canción que se vuelve atonal, oscura, pretenciosa… para terminar extendiéndose (al dope) y así bajar el telón en forma inopinada.

En resumen, A Scarcity of Miracles no está mal si lo consideramos solamente como una nueva jugarreta de Fripp, un disco con buenísimas instrumentaciones e intenciones –aunque bajo en el nivel compositivo (situación que se viene repitiendo en los últimos 15 años de su carrera…); ahora, si consideramos a A Scarcity of Miracles como un nuevo disco de King Crimson no quedará más que rendirse a la triste verdad de que éste no es más que un nuevo retroceso en la historia prestigiosa (e intocable) del Rey Carmesí, un álbum bastante menor, que no pasará a la historia y que está lejos hasta de The Power to Believe, el anterior capitulo de la saga. Habrá que seguir esperando, entonces…
Emiliano Acevedo.-

domingo, 7 de agosto de 2011

PRIMITIVO E INUSUAL, entrevista a Guillermo Cides


Desde hace casi dos décadas, Guillermo Cides es un respetado músico multifacético que se dedica a difundir el uso del Stick, instrumento de diez cuerdas, dispuestas en dos grupos de cinco que recorren rangos graves y agudos (en forma indistinta) como bajo y guitarra. A lo largo de todos estos años, Cides ha presentado su obra virtuosa –y su labor de amor hacía el Stick- en los escenarios de Holanda, España, Bélgica, Francia, Estados Unidos, Inglaterra, Bolivia, Perú, Costa Rica, Ecuador, Chile, Uruguay, por nombrar sólo algunos países… Radicado en Barcelona la mayor parte del tiempo, regresa en forma esporádica a la Argentina a presentar su material. La multiplicidad de sonidos generado con el Stick convierte a Cides en un auténtico hombre orquesta.

Por Lean Ruano y Emiliano Acevedo.-


RITUAL
¿Cómo se produce tu acercamiento al stick?
Fue absolutamente casual o quizás provocado por mi destino que me tenía preparado una gran aventura de largos años de música y viaje con este inusual instrumento de 10 cuerdas mezcla de bajo y guitarra. Lo conocí en Buenos Aires, era un instrumento que había traído Cachorro López (Abuelos de la Nada) desde EEUU. Por aquel entonces el Stick era aún un instrumento desconocido y no había Internet como ahora, por lo que mi aprendizaje fue totalmente autodidacta y en soledad. Ese fue uno de los motivos por el cual años después crearía el Centro de Stickistas en Argentina -luego en España- de manera de poder ofrecer lo que había aprendido pero de una manera más rápida a los músicos que querían saber del instrumento.

¿Qué balance haces de estos veinte años de relación con el stick?
Uf, pasaron muchas cosas y todas ellas son buenas. Para que te des una idea de lo que hablo podría decir que si tuviera la chance de vivir de nuevo esta vida, la viviría exactamente como fue. Cada momento no solo musical sino personal, fueron producto de una gran aventura basada en la música. He logrado realizar para mí mismo el sueño que tiene cualquier músico simple como viajar, tocar en grandes escenarios, compartir música con los músicos de los que yo era fan, incluso firmar autógrafos... (risas) Creo que es importante confiar en lo que haces, incluso una confianza atrevida que te permite moverte con una convicción que finalmente empuja tus planes hacia lugares posibles. Yo sé que esto lo dice mucha gente, ¡pero funciona!

¿Sentís que en estos años se ha transformado en un instrumento un tanto más popular y ahora la gente no lo ve como algo "raro"?
Posiblemente sí, aunque el Stick es un instrumento minoritario. Internet ha acercado mucho la información y ha terminado de completar el trabajo que comencé hace 20 años, que era difundir no sólo el instrumento sino la idea de que se puede hacer música de una manera diferente. Como músico que toca el Stick siempre fui alguien que entró en "la fiesta" por la puerta de atrás y sin ser un artista de una gran discográfica estuve en medios de prensa impensables para un músico como yo –la televisión, entrevistas en los diarios Clarín, Página 12, La Nación, etc. - casi a la par de grupos comerciales. Creo que la idea del Stick no es que "toque un instrumento raro" si no, más bien, que "toque música de una manera diferente". Ahora después de 20 años, Internet demuestra que esa idea era posible pues en una rápida búsqueda se descubre a cientos de artistas haciendo esta otra música.

¿Pensás que tu música es más reconocida en Europa que en Argentina?
No creo que sea -únicamente- una cuestión de países sino más bien de percepciones. La manera en que la cultura europea tiene de percibir al artista como un elemento social es diferente a la del argentino. El concepto argentino implica que el artista adquiere un grado de "poder" podríamos llamarlo y una parte del público le otorga una sabiduría o mandato que es simplemente falso. Una especie de ídolo de barro que no resiste el paso del tiempo y cuya función parece distorsionarse. La manera de comprobarlo es simple: basta con agudizar el oído para ver que algunos músicos utilizan la "oratoria" en vez de "decir". El concepto de la oratoria implica un status de poder y posición de altura por sobre otras personas, una especie de rey diciendo lo que le conviene a la gente. Yo creo que es muchísimo más simple que todo eso: los músicos debiéramos ser personas sensibles que logran una comunicación emocional con el público durante un período de tiempo -por ejemplo durante un concierto. Y eso es todo lo que hacemos, no sabemos más ni menos que el panadero de la esquina ni aquel que construye paredes -posiblemente este último sepa cosas muy interesantes, cosas que tienen que ver con el esfuerzo y la perseverancia. Por esto, los artistas que hacemos cierta música "emocional" tenemos mas campo de acción en culturas que reciben esto de manera simple.

MAS QUE UN INSTRUMENTO, UN SENTIMIENTO
¿Cuál es tu disco preferido, de todos los que hiciste hasta ahora?
Mi disco preferido es el que voy a hacer mañana, porque es perfecto en mi imaginación... (risas) Pero de todos lo que ya hice, el Tributo a Bach es uno de los que más me gusta porque me trae buenos recuerdos. Lo grabé en Holanda durante un crudo invierno. Me acuerdo que salía y veía a los niños en trineos y alucinaba, ¡porque nunca había visto trineos de nieve! Todo era muy Heidi y muy Bach.

¿Cómo se te ocurrió fundar el Centro de Stickistas en Argentina y el Ensamble Argentino de Stickistas? ¿Cuál es tu balance acerca de estas experiencias?
Tuve la responsabilidad de ofrecer el primer concierto solista de Stick que se hizo en Argentina en Buenos Aires, en el Bar Nativo de la Calle Corrientes. Esta responsabilidad se reflejó luego en la creación del Centro de Stickistas con información gratuita a los músicos, editar compilados de Stickistas, organizar seminarios, crear un portal sobre el Stick, organizar conciertos, crear el Ensamble de Stickistas, etc.
Ésta organización la creé simplemente para poder compartir la experiencia del Stick con otros músicos y porque cuando comencé a tocar me hubiera gustado que existiese algo así. Básicamente la idea es "si no encuentras lo que buscas, hazlo tu mismo". La misma experiencia trajo consigo la creación del primer Ensamble de Stickistas con el que hicimos gira por Argentina. La Web stickcenter.com se dedica a promocionar no solo el Stick sino las músicas que son posibles, los artistas de otros países, actividades, seminarios, etc. Cuando vine a España comencé todo esto desde cero otra vez, fue divertido porque aquí estaba todo por hacer. Con los años, el inventor del Stick Emmett Chapman me propuso ser su representante en ambos países y acepté así es que ayudo a muchos músicos respondiendo preguntas vía mail y dando consejos sobre los modelos. En España organicé los primeros seminarios europeos de Stick, con músicos que venían de todas partes durante 10 días donde había conciertos, clases, etc. En Argentina fue un trabajo mas lento y personalizado, con clases informativas para no-stickistas, conciertos y mucha actividad informativa.

En tus comienzos recibiste halagos de muchos colegas como Trey Gunn (King Crimson) Y el mismísimo Emmett Chapman (luthier inventor del stick) ¿Era un sueño hecho realidad o lo vivas como algo más bien natural?
Bueno, en aquel momento lo vivía como una sorpresa, algo así como "¿yo? ...este tipo se habrá equivocado." Supongo que el motivo es que siempre he hecho mi música para mí mismo, lo que me salía simplemente sin importar si era o no comercial o si llegaría a tal o cual lugar. Con los años descubrí que esta actitud se pega en los acordes y la vida de las canciones es mas larga que aquellas que tienen una intención escondida. Mis viajes me llevaron a conocer personalmente a Emmett Chapman y a Trey Gunn -compartimos una gira hace algunos años- y descubrí que eran personas simples con sus sueños como cualquier otro. Incluso he conocido músicos realmente populares y parece que mientras más populares son, menos les importa. En mi caso y sin ser popular, ya no me importa mucho el tema de la notoriedad, estoy más bien preocupado porque mis conciertos tengan el nivel que me gustaría a mí como público. Aquí está otra vez el "si no lo encuentras, hazlo tu mismo".

¿Cómo te sentiste tocando junto a figuras como Fish (Marillion), Antonio Birabent o Jerry Marotta (Peter Gabriel)?
Son todos amigos o conocidos de alguna manera, en realidad cuando tocas con ellos no tocas con sus nombres sino que ves a tu lado a una persona que sabe hacer bien su trabajo. Es igual que un partido de fútbol con amigos, siempre hay uno que juega bien entonces le pasas mas la pelota. Con la música es similar, trabajas con ellos y como todos sabemos qué hacer entonces la música sale de manera fluida. De hecho los problemas en los grupos comienzan cuando alguno de los jugadores se acuerda de quien es y se olvida de hacer su trabajo bien. A veces pasa, no todo el mundo que es reconocido hace siempre bien su papel. A mi me gusta mucho tocar con músicos nuevos porque están el 100% del tiempo preocupados en hacerlo bien, y eso se transmite al publico.

¿Cuándo conociste a los Gauchos Alemanes?
A los chicos los conocí cuando vinieron los King Crimson a Argentina por primera vez, quienes estuvieron algunos meses ensayando allí el regreso de la banda después de años.

De chico ¿cuales fueron tus influencias? ¿Cómo te formaste como músico?
Soy autodidacta y mi influencia es el rock fundamentalmente aunque luego descubrí música maravillosa, no solo la música clásica sino la popular. Como soy un poco curioso me dedico a escuchar todas las músicas posibles, siempre hay cosas que llaman la atención, sean del heavy o sean de Mozart.

En ésta época es complicado escuchar a solo unos pocos músicos, desde la aparición de Spotify hay una cantidad abismal de música que está disponible en segundos y casi no llegas a saber quien es quien. De todas maneras pertenezco a la generación de grandes mitos como Siouxie & The Banshees, Pixies, Pil, Television aunque también soy fan de Michael Hedges o Bach. De todas maneras el acceso a estas bandas está marcado no solo por su buena música sino también por tendencias comerciales. Por ejemplo en África es donde realmente la música existe de manera natural, si el mercado hubiera sido diferente entonces Los Beatles hubieran sido africanos.


EL MUNDO INTERIOR
¿Qué recuerdos tenés de tu época roquera en el under porteño? ¿Tocaste con Carca en Tía Newton?
Tengo fantásticas historias de toda aquella época junto a mi hermano Marcelo Cides, tocando con La Cruz en todos los bares de Buenos Aires. Carca me llamo para tocar en Tía Newton durante un par de meses y yo accedí porque aquello me parecía muy "friki" y estaba en la época de probar cosas con mi Stick. Meses después comencé a grabar mis discos incluyendo el Tributo a Bach siguiendo esta línea de ver hasta donde podía llegar a tocar con el Stick.

¿Cómo conoces a Pinchevsky? ¿Cómo era compartir un escenario junto a él?
A Jorge lo conocí a fuerza de encontrarnos por las noches en bares como El Subsuelo de calle Mitre. Le gustaba mi versión de "Adiós Nonino" de Piazzolla y siempre que podía se subía literalmente al escenario a tocar así sin más, ¡sin pedir permiso ni nada! Era genial el tipo, una vez estaba tocando en un festival al aire libre y en la mitad de "Adiós Nonino" levanto la cabeza y lo veo a Jorge en el medio del escenario con su violín y el cable en la mano mirándome, así que delante de todo el mundo conecté su cable a mi consola, ¡mientras con la mano izquierda hacía unos acordes para mantener la canción que estaba sonando! Todo esto delante de todo el mundo... Acabamos haciendo la versión a dúo. Jorge era otro que no le importaba nada excepto tocar y tocar su violín. Eso era todo lo que le importaba y así lo recordamos todos, estoy seguro.

¿Qué recordás de tu actuación junto a Rick Wakeman, en el Coliseo, en abril de 2001?
Esos fueron 3 conciertos para 5.000 personas cada uno, el Coliseo lleno, creo que nunca había tocado para tanta gente hasta ese día, era impresionante ver la masa de personas delante y yo allí parado en el escenario solo con mi instrumento "raro". Me temblaban las piernas. A Wakeman lo salude en el camarín, lo mismo que a su hijo y los demás músicos que estaban allí, hay algunas fotos de ese día. Como te digo, todo este tipo de músicos han vivido cosas que ni imaginamos y disfrutan -sigo creyendo- de las cosas simples, por ejemplo de venir a Argentina y encontrarse un músico con un instrumento inusual tocando en sus conciertos. Algo similar me pasó con Roger Hodgson (Supertramp), lo acompañé en su gira sudamericana de 10 conciertos, fue impresionante, eran estadios llenos cada día en diferentes países. Roger es un tipo tan simple que me parece increíble recordar las veces que estuvimos sentando tomando desayunos en los hoteles, ahora que lo pienso, ¡tendría que haberle preguntado miles de cosas! Pero la verdad es que nos dedicábamos a comentar las cosas del día y disfrutar de las cenas. Ese fue un gran aprendizaje para mi, el de vivir estas situaciones de una manera simple, sin "estrellatos" o snobismos.

¿Te sorprendió el buen recibimiento que tuvo tu disco tributo a Bach?
¿Lo tuvo? La verdad es que no sé muy bien que piensa la gente de este trabajo, se agotó la primer edición y ya nunca volví a editarlo. Esta en Internet, creo que en Taringa.net, ¡alguien lo subió incluso con la foto de un autógrafo! A mi me encanta que la gente haga estas cosas, entiendo el valor que le dan y entonces lo comparten. El Tributo a Bach fue en realidad un acto de protesta, estaba bastante enojado con el mundo musical por aquel entonces y me encerré a tocar y grabar este disco, por eso la gráfica original tiene un texto en la primer pagina que dice "Esta es mi respuesta". Ahora me da un poco de risa, pero respeto al que fui entonces porque algunas veces las acciones artísticas están basadas en la indignación, en actos de rebeldía. Bach es un músico roquero: místico y enérgico.

¿En que se diferencian tus proyectos de The Stick Trío, el Electrik Consort, Dj d_Melmac + Cides, y la Reunión Bao / Cides / Blavia?
Se diferencian en mucho, son proyectos muy diferentes que me permiten buscar nuevas sonoridades y me ponen constantemente en situaciones desconocidas. Especialmente con el bajista Pepe Bao y el baterista Roger Blavia, aprendí mucho con ellos porque casi no ensayábamos para los conciertos, eran sesiones de improvisaciones sobre temas conocidos y salían cosas maravillosas que existían solo esa noche. Me ponían a limite todo el tiempo porque ambos son músicos muy expertos y controlan muy bien sus instrumentos. Con Electrik Consort mezclamos temas del Siglo XIV hechos con un instrumento medieval como la Zanfona y también tocando temas de Led Zeppelin por ejemplo. Es un juego instrumental y un juego de canciones.

¿Cómo se te ocurrió hacer el Compilado de Stickistas Hispanos y como fue el proceso que hiciste para plasmarlo?
El CD Compilado de Stickistas Hispanos fue el resultado del trabajo de Stick Center, allí pusimos la música de muchos artistas del Stick de 11 países diferentes de habla hispana. También hay una grabación curiosa que hice con el inventor Emmett Chapman a dúo. Creo que es un buen resumen musical de estos años con el Centro de Stickistas.

LOS DIAS QUE VENDRAN
¿Tenés pensado venir a tocar a la Argentina en el transcurso de este año?
Siempre voy a Argentina, de hecho estos últimos años he estado haciendo giras largas, la ultima de 24 conciertos incluyendo la Patagonia. Como mis actividades no son tan resonantes como las de un artista popular, llamo a mi gira "La gira silenciosa". Este nombre también resume de alguna manera mi trabajo de estos años. Espero volver pronto y seguir las giras.

¿Cuáles son tus proyectos? ¿En que estás trabajando ahora?
Actualmente toco a dúo con un amigo de hace años, el baterista Alex Leys. Además de un excelente músico puedo decir que ha sabido interpretar mis canciones con la batería y es el perfecto músico para un dúo con Stick.
Actualmente estoy trabajando en un sistema de transmisión de conciertos en tiempo real, hace unas semanas transmitimos nuestro primer concierto en directo para Facebook y Myspace. Fue una experiencia muy interesante porque había "publico" de muchos países diferentes. (La grabación completa esta disponible en http://www.facebook.com/guillermocides) Como desde hace un año vivo en una casa de montaña estoy ahora haciendo un sistema para transmitir desde allí los domingos. Por supuesto lo mejor es tocar en vivo con el publico en contacto directo, pero la transmisión online es una manera de estar con personas que están a miles de kilómetros y que difícilmente vengan a un concierto alguna vez.

¿Pensás que tu música se emparenta en forma directa con el rock progresivo, o no?
La verdad es que no, pero por algún motivo los amantes del rock progresivo piensan que sí. Hace poco estuvimos en el Festival Progsud que se realiza en Francia, es un festival de 4 días donde van muchos grupos de rock progresivo del mundo. Era la tercera vez que me invitaban a ir, imagino que ven en mi música algún tinte progresivo y a mi me parece bien especialmente porque no tengo que hacer sólo un formato definido sino que toco mi concierto habitual.

¿Qué opinas de la movida progresiva internacional de la actualidad?
Ha sido un movimiento oculto durante mucho tiempo y de pronto comenzaron los festivales en diferentes partes del mundo y una actitud tipo "Si: soy progresivo, ¿y que?" (risas) El público es como un club y como todo club, es muy seguidor de estos conciertos, compran CDS, ropa con logos, etc. A mi me parece que está bien, es una manera mas de no tener que consumir la música "oficial". Hay muy buenas bandas de este género en la actualidad con sonidos muy modernos, tan modernos que incluso se escapan de la etiqueta, por ejemplo Dream Theater.



¿Qué interpretes, discos, te gusta escuchar actualmente?
Escucho mucho radio clásica porque el tiempo libre que tengo es cuando voy en coche, me gusta mucho hacer kilómetros y hay veces que los conciertos de la radio clásica son geniales, te imaginas a todos estos tipos tocando en una orquesta, sincronizados, sin errores...Estas grabaciones no son muy editables, son como son, por eso me gusta escuchar estos conciertos. A mi compañera le gustan cosas mas modernas así que también tengo en el oído el sonido mas actual, aunque más que escuchar tengo el gran vicio de analizar los sonidos, las ecualizaciones, los planos y las compresiones de lo que suena -sí, ya sé, ¡es muy aburrido escucharlo así!

¿Te gusta algún artista del rock nacional?
Sí: el que toca con el corazón, los demás no me gustan.

¿Cómo haces para difundir tu música dentro del panorama actual de la industria musical? ¿Qué opinas de la caída de las discográficas y la descarga de temas vía Internet?
No difundo mi música. Actualmente no estoy preocupado por esto, simplemente toco en vivo, a veces llevo mis discos para que la gente los compre si los quiere aunque pueden hacerlo a través de stickcenter.com. La verdad es que no estoy preocupado por mi nombre o producción. Antes si lo estaba pero de pronto dejaron de importarme. Sé que suena raro pero es la verdad. Ni siquiera me preocupo por conseguir conciertos, en esta época los conciertos que hago son los que me llaman. Mi forma de entender la música es muy simple y disfruto con componer en casa tanto como de tocar en concierto. Últimamente me divierto con Facebook, donde les propongo a la gente cosas no habituales como un concierto en tiempo real o como la semana pasada que pusimos en los muros de Facebook 15 minutos de video donde se muestra todo el proceso de un concierto, para ello pusimos una cámara en el festival de Francia arriba del escenario y mirando al publico de manera que cada tanto le hablo a la cámara -que serían los potenciales oyentes luego- y hago así un concierto doble: para los que están y para los que estarán. (Ese video esta disponible en http://www.stickcenter.com/News/59/) De todas maneras la música que he grabado hasta hoy está en Internet fácilmente disponible. Quizás quede en el olvido o quizás algunos la rescaten como algo valioso, pero esto ya no depende de mi.

Links con vídeos y canciones:
http://www.facebook.com/guillermocides
http://es.wikipedia.org/wiki/Guillermo_Cides
http://www.stickcenter.com

Secuencia Inicial.-

BEASTIE BOYS - HOT SAUCE COMMITTEE PART 2

A esta altura los Beastie Boys ya no tienen que demostrar absolutamente nada, fueron pioneros blancos en un género que parecía exclusivo de negros y rompieron con todas la barreras preestablecidas, desafiando a todas las reglas y se transformaron en referente ineludible a la hora de hablar de hip hop, pero los BB nos son únicamente una banda de rap, su universo va mucho mas allá.
Cuando en 1986 lanzaron su álbum debut Licensed To Ill llamaron la atención de inmediato la mezcla de rap, hardcore y guitarras punk era un cocktail explosivo. Luego le siguieron Paul’s Boutique (1989) y Check Your Head (1992) dos trabajos fundamentales para el hip hop que se adentraban también en sonidos funky sin dejar de lado el costado rap y harcore. En 1994 les llega el éxito masivo con Ill Communication de la mano de hits como “Sabotage” “Sure Shot” y “Root Down”. Su último trabajo de estudio data del año 2007 The Mix-Up, un trabajo completamente instrumental que contrarrestaba su disco del 2004 donde Mike D, MCA y Ad-Rock decidieron regresar al rap old school lanzando To The 5 Boroughs en alusión a los cinco distritos que forman la ciudad de New York (Brooklyn, Queens, Manhattan, Bronx y State Island) Los Beastie Boys siempre se caracterizaron por mezclar sonidos sampleados y beats electrónicos con bases de guitarras, bajos y baterías esta perfecta conjunción es el sello característico de la banda.

Luego vino la peor noticia Adam “MCA” Yauch le diagnosticaron un cáncer en sus glándulas salivales y el disco nuevo (que tenía prevista la salida para mediados del 2009) se pospuso sin fecha definitiva, ahora dos años más tarde y con MCA en franca recuperación el disco nuevo de los chicos malos de Brooklyn esta en la calle, por eso lo de Part 2.
El nuevo trabajo de los Beastie Boys tiene todos los ingredientes que esperábamos rap old school, muchos efectos, y también una buena dosis de bases de tracción a sangre con mucho groove algo que a la banda nunca le falto. El tema adelanto fue “Too Many Rappers” con la participación de un viejo amigo Nasin “Nas” Jones, el flow sigue in tacto y acompaña una base a puro teclado vintage, como primer corte se eligio “Make Some Noise”, el sonido hardcore y potente vuelve de la mano de “Lee Majors Come Again”, algo mas relajado”Don’t Play No Game That I Can’t Win” con la participación de Santigold (Santi White), “Long Burn The Fire” hija directa de Check Your Head y una tremenda línea de bajo es de lo mejor de este nuevo trabajo, también hay lugar para el funk-disco con “Funky Donkey”. Los Beastie Boys lo hicieron de nuevo y sigue la fiesta.
Lean Ruano.-