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viernes, 3 de diciembre de 2010

BRYAN FERRY - OLYMPIA

La eterna voz aterciopelada del ex vocalista de Roxy Music regresa con nuevo trabajo titulado Olympia. Bryan Ferry es sinónimo de elegancia y seducción, adelantados a su tiempo los Roxy Music fueron la banda con mas glamour del planeta impresionaba verlos en tv a principios de los años setenta vestidos con plumas, cueros y cierta ambigüedad sexual impulsada sobretodo por su tecladista un joven Brian Eno, luego de la partida de Eno para reinventarse como pionero del ambient techno y productor de lujo (David Bowie, U2 y Coldplay entre otros.) Roxy Music se convirtió en ‘la banda’ de Bryan Ferry, el vocalista se convirtió en amo y señor de todas las decisiones que tomaría el grupo de allí en adelante. En el año 1982 editaron el disco Avalon y consiguieron trascender los límites de la élite recockera que los seguía hasta ese momento a base se un sonido plagado de ambientes sensuales y refinados, un trabajo colmado de hits como “More Than This”, “Avalon” y “While My Heart is Still Beating”. Era imposible que no se convirtiera en un clásico instantáneamente, el sonido de ese álbum se transformo en la base de la carrera solista de Ferry que aunque había comenzado en 1973 con These Foolish Things tuvo sus picos más altos en la década del ochenta con Boys and Girls (1985) y Bete Noire (1987) a la altura de estos se encuentra su flamante álbum Olympia.
El viejo zorro de Ferry a sus 65 años se rodea de un dream team de lujo para concebir su nueva criatura por nombrar solo algunos colaboradores que acompañan al vocalista, Flea (RHCP), David Gilmour (Pink Floyd), Jonny Greenwood (Radiohead) y Marcus Miller, además se sus ex compañeros de banda Brian Eno, Phil Manzanera y Andy Mackay. El primer corte de Olympia es “U Can Dance” producido por el alemán Dj Hell una muestra de que Ferry sigue sonando fresco y moderno a pesar de que el disco es de una escucha accesible y confortable esto no significa que caiga en lugares comunes, sino mas bien, se trata de una mezcla de melodías pop con electrónica downtempo, algo ya nos había adelantado con el tema “Shameless” producido por Andy Cato de Groove Armada el cual también estaba incluido en el último disco del dúo londinense Black Ligth (2010.) El punto mas flojo quizás sea la participación de Scissor Sisters en el tema “Heartache By Numbers” realmente resulta un cameo intrascendente, también hay lugar para las versiones como ya paso en trabajos anteriores donde Ferry hacia suyas canciones de The Rolling Stones, The Beatles y Bob Dylan, no nos olvidemos que en año 2007 editó Dylanesque un álbum íntegramente compuesto de versiones del gran cantautor folk, para esta ocasión las elegidas son “Song To The Siren” del fallecido Tim Buckley y “No Face, No Name, No Number” del grupo Traffic, ambas versiones son excelentes Bryan Ferry es uno de esos cantantes que logra hacer que sus versiones estén a la altura de las originales y hasta en algunos casos superen a las mismas
Podríamos decir que Olympia es un disco ‘cool’ en el buen sentido y con la bellísima Kate Moss en la portada no podíamos esperar menos del hombre que le supo poner glamour al rock.
Lean.-

LA MAQUINA DE HACER PÁJAROS - PELÍCULAS (1977)

Este es la segunda producción de esta banda formada por Charly García en teclados y voces, Carlos Cutaia (piano), Gustavo Bazterrica (guitarra), José Luis Fernández (bajo) y Oscar Moro (batería). Un álbum a tono con otras producciones de grupos de rock progresivo argentino como Alas, Crucis o MIA; repleto de momentos musicales de gran factura, en donde los músicos mixturan el rock progresivo con el jazz rock o, incluso, la música ciudadana. Esto se advierte en "Obertura 777", un tema instrumental con melodías y arreglos casi tangueros. "Marilyn, la cenicienta y las mujeres", es otra historia. Partiendo de la semblanza hacia la Monroe y el cuento infantil, García desarrolla su propia visión del género femenino y de como los hombres nos relacionamos con las ellas. Un muy buen tema que recuerda, en cierta forma, a los mejores momentos de Instituciones (el celebrado tercer álbum de la Sui Generis). La canción está dividida en 3 partes enfocadas en los caracteres del título, desembocando en un final, en el cual un coro de niños se une a la música del grupo. "No te dejes desanimar" es, seguramente, el mayor clásico del disco, una canción no tan progresiva, pero con buenas armonías vocales y cambios rítmicos. Su temática está centrada en los duros tiempos que corrían en esa época de la última dictadura militar y al desanimo general que vivía gran parte de la juventud de entonces. "Que se puede hacer salvo ver películas" desde su título hace referencia a esta misma problemática. Una canción muy elaborada que da cuenta del carácter escapista predominante en gran parte de la sociedad durante aquellos años de plomo. "Híper candombe" es una soberbia mixtura de rock progresivo y candombe. El resultado es un tema delicioso y muy rítmico, con una letra (híper) realista e irónica que habla de que "ya no hay más esperanza en la ciudad" y que quizá no quede otra escapatoria más que emigrar hacía ese país "espectacular" que se encuentra "lejos de acá". "El vendedor de las chicas de plástico", en clave humorística, enfoca un tema casi tabú para la pacata Argentina de entonces. Pero atención porque, a pesar de su título, la letra no hace referencia sólo al comercio de muñecas de goma para la mera auto satisfacción sexual, ya que, además se centra en la el machismo retrogrado de muchos hombres hacía las mujeres, no por nada la letra dice, en broma, "que no hay nada mejor que una nena de goma". "Ruta perdedora" es una hermosa canción con 2 partes diferenciadas, una de ellas con una lírica melancólica y en clave "de bajón", que recuerda a buena parte del viejo repertorio de Sui Generis; y un superlativo final instrumental y progresivo. Cierra esta producción "En las calles de Costa Rica", un atractivo tema instrumental, en el que se luce Bazterrica en la guitarra. Incluso, "homejeando" un fragmento de uno de los solos, plenos de jazz rock, del gran Al di Meola en el clásico "Romantic Warrior" de Return to Forever.
Emiliano.-

viernes, 26 de noviembre de 2010

ROBERT PLANT - BAND OF JOY

Han pasado ya tres años desde que el ex vocalista de Led Zeppelin editara junto a la cantante Alison Krauss el magnifico y multipremiado álbum Raising Said (2007) aquel trabajo bajo la tutela del gran T Bone Burnett abrió un nuevo camino para la carrera de Robert Plant mas que un camino podríamos decir un viaje por las rutas polvorientas del sur de los EE.UU adentrándose en la raíces de la música americana ya sea tanto en el folk como en el country.
Band of Joy era el nombre de la banda que tenia Plant antes de formar Led Zeppelin y que se dedicaba a versionar a diferentes artistas de rock y r&b, reviviendo aquel viejo espíritu y siguiendo la senda de Raising Said. Plant nos presenta su nuevo trabajo, un álbum que por más que sea en su mayoría de composiciones ajenas es uno de sus discos mas logrados.
“Angel Dance” de Los Lobos (la banda Tex-Mex por excelencia) es la encargada de abrir el viaje por Band of Joy, le sigue “House Of Cards” de Richard y Linda Thompson quienes son los únicos compositores británicos que aparecen en el disco excepto el propia Plant que aporta junto al productor Buddy Miller “Central Two o Nine” con ciertos aires de blues acústico, lo mas logrado del disco son las versiones de “Silver Rider” y “Monkey” ambas composiciones pertenecientes a la banda de Indie rock oriunda de Minnesota Low y que corresponden a su gran disco del 2005 The Great Destroyer realmente en estos dos abordajes encontramos a un Plant conmovedor y de sutiles arreglos en las guitarras distorsionadas, una sensual Patti Griffin lo acompaña en los coros de ambos temas, esto también demuestra que el ex frotman zeppeliano a sus sesenta y dos años no solo se nutre desempolvando viejas joyas sino que presta muchísima atención a las bandas nuevas y no se le cae ningún anillo al versionarlas, “Falling in Love Again” de los Kelly Brothers aporta la cuota gospel, el banjo y los arreglos sureños se destacan en la tradicional “Cindy I’ll Mary You Someday” y un clásico del enorme Townes Van Zandt como “Harms Swift Way” le cae al dedillo a este Robert Plant.
Una vez mas muchos fanáticos de Led Zeppelin van a abstenerse de escucharlo diciendo que no esta a la altura de sus glorias setenteras pero en realidad ellos son los que se pierden de disfrutar a un cantante como ya pocos quedan. Band of Joy está integrado por grandes canciones algunas tradicionales otras mas contemporáneas que nos ayudaran a viajar hacia la raíces de la canción americana, realmente un trabajo muy bien logrado y para disfrutar... en la carretera.
Lean.-


viernes, 19 de noviembre de 2010

THE BAD PLUS - NEVER STOP

Nuevo trabajo de uno de los tríos de jazz mas atractivos de la escena actual, The Bad Plus vuelven a su formato original y con un trabajo formado íntegramente por composiciones propias. Con un pie en la vanguardia instrumental y otro en las melodías mas populares. El trío formado por el bajista Reid Anderson, el pianista Ethan Iverson y el baterista David King siempre sobresalió por la versatilidad de sus instrumentistas y la gran capacidad para abordar composiciones ajenas ya sean del mundo pop/ rock como de la música clásica, para The Bad Plus es tan natural versionar a Nirvana y Pink Floyd como a Stravinsky y Vangelis, pocos grupos del mundo del jazz han logrado generar tanta controversia en los últimos años.
Never Stop es el séptimo trabajo del trío en poco mas de nueve años de carrera manteniéndose siempre en un nivel creativo admirable en todas sus obras, podríamos decir que este nuevo trabajo es prácticamente una obra al desnudo, ya que, fue grabado en Minnesota con tomas de los tres integrantes tocando juntos y en vivo en el estudio, según propias palabras del pianista Ethan Iverson el grupo quería plasmar en el estudio la energía que los músicos sienten en un show tocando en vivo, por eso mismo, los tres integrantes se encerraron a grabar en la misma habitación y el trabajo casi no posee ningún tipo de sobre-grabaciones.
Este nuevo trabajo da un giro radical respecto a su última obra del año 2008 For All I Care junto a la cantante Wendy Lewis dicha obra era un recorrido de versiones por los artistas que mas han influenciado al grupo.
Never Stop se balancea entre pasajes sumamente melódicos como en el tema “People Like You” y “Beryl Loves to Dance” y arrebatos instrumentales en constante erupción como en “You Are” y “2 PM”, “Snowball” deja al descubierto la gama más acústica del grupo con un soberbio trabajo en el contrabajo de Reid Anderson .
The Bad Plus sigue derribando los muros de los conservadores del jazz con pura tracción a sangre y muchísimo talento a la hora de expresarse libremente. Cada integrante de The Bad Plus utiliza su instrumento como una extensión de sus emociones para expresarnos aquello que se siente en el alma.
Lean.-

ELTON JOHN - THE UNION

A comienzos de 2008, Elton John fue invitado a participar del programa de TV de Elvis Costello. En esa oportunidad, al hacer un racconto acerca de su trayectoria y experiencia vital, Elton habló sobre su amistad y admiración de Leon Russell. En la nota, el cantautor inglés contó lo mucho que lo ayudó Russell en sus primeras giras norteamericanas y como lo había influenciado el estilo sureño en el piano en lo que respecta a su labor como compositor. Quien haya visto este programa no se sorprenderá entonces de que ahora Elton se reúna con su ídolo y realice esta nueva producción llamada The Union. Sin embargo, podemos decir que éste no es un disco a dúo, sino un nuevo álbum de Elton John que cuenta con la figura estelar de Russell como invitado.
Luego de su reverdecer artístico en el 2001 con Songs from the Weast Coast, que continuó con el bello Peachtree Road (2004) y el setentoso The Captain and the Kid (2006). Elton se sumerge con The Union en las raíces de la música sureña. En esto influye de manera trascendente la presencia de Russell.
Para aquel desprevenido que no lo conozca es necesario decir que Leon Russell es un verdadero mito de la historia del rock. Cantante, multiinstrumentista, arreglador, compositor, productor y ejecutivo, Russell es un amplio conocedor del rock como arte y negocio. Nacido en Lawton (Oklahoma), ha desarrollado su carrera en California. Tocó con todos: desde Phil Spector, que lo utilizó como cesionista en sus mejores discos, a John Lennon; además de haber acompañado a Joe Cocker en 1970 en su banda Mad Dogs and Englismen y a George Harrrison en su concierto benéfico para Bangladesh (1971). Además creo su propio estudio de grabación, y dirigió dos compañías discográficas (Shelter Records y Paradise). Tocó de todo y para todos, del rock al blues, pasando por el soul, el country y el pop. Detrás de su aspecto medieval, su larga barba y melena blanca, se esconde un genio interminable. Conocedor de tales pergaminos, era obvio que alguna vez Elton John lo iba a convocar a la hora de realizar un disco tan en la veta del delta blues como es The Union.
En esta producción, la mayor parte de las composiciones son de la histórica dupla Taupin-John, con quienes colabora Russell. The Union es también casi una vuelta de Leon Russell a las grandes ligas. Si bien nunca se había retirado en su labor como músico, está claro que su figura había disminuido desde sus históricas colaboraciones y discos en los ‘70 a los últimos años en los que terminó tocando en pequeños clubs y estadios en Estados Unidos, sin poder salir de circuitos dedicados a la nostalgia para aquellos viejos pioneros del rock. Está claro que The Union evoca el espíritu de los ‘70. De tal forma, es la continuación ideal para el anterior álbum de John, The Captain and the Kid, el cual había sido diseñado como una secuela del clásico de 1975 Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy.
Gracias a la labor del productor T-Bone Burnett, The Union sumerge a las líricas de un inglés, hasta la medula, como Bernie Taupin en las oscuras aguas del Missisippi. Para esto, Burnett grabó en vivo a John y Russell, tocando en forma magistral a cuatro manos en un dueto pianístico de lujo, en el cual se turnan tanto en canto como en los solos. Esta colaboración relajada entre ambos músicos, funciona en forma natural gracias a la delicada producción de Burnett que (como en los viejos tiempos) no agrega ningún efecto sonoro al impresionismo de esta grabación análoga.
Quizá no haya en The Union ningún hit inmediato, ni canciones para cantar en la ducha; pero si hay algo que no falta en esta colección de 14 nuevas canciones es sutileza. Los tonos son delicados en impecables interpretaciones hechas por dos viejos zorros que se conocen los vicios de pe’ a pa’ y con una banda acompañante que no desentona en ningún momento.
Por todo esto, The Union es muy disfrutable. Ojala este sea el retorno, a por sus fueros, de este genio llamado Leon Russell. De Elton John no hay mucho más que agregar. Solamente esperar que continúe en esta veta de calidad musical inoxidable.
Emiliano.-

jueves, 11 de noviembre de 2010

JOSE JAMES & JEF NEVE - FOR ALL WE KNOW

El sello discográfico Impulse! Records fue en la década del sesenta albergue para una gran cantidad de músicos de jazz desde los clásicos del swing hasta las propuestas mas revolucionarias de la mano del free, por el sello identificado con los colores naranja y negro desfilaron músicos de la talla de Charles Mingus, Gil Evans y Keith Jarrett pero el mas representativo artista de Impulse! es sin lugar a dudas el enorme saxofonista John Coltrane incluso su esposa Alice Coltrane pudo plasmar sus exploraciones místicas en trabajos como Journey In Satchidananda (1970) y hasta el rosarino Leandro “El gato” Barbiero editó allí varios de sus mejores trabajos a principios de la década del setenta impulsando lo que se conocería como Latin Jazz.
Hoy Impulse! es propiedad de The Verve Music Group otro de los grandes sellos de jazz y aunque la cantidad de ediciones a mermado con el correr de los años aun sigue vigente.
La unión de un pianista clásico como el belga Jef Neve y la voz de Jose James estadounidense (Minneapolis) de origen panameño es la nueva joya de Impulse! tras casi seis años sin editar material nuevo. La unión de ambos artistas surgió de forma espontánea tras conocerse en un programa de T.V. en Bélgica. James es bien conocido por sus trabajos mas cercanos al soul y el r&b y de estar mas familiarizado con sonidos modernos. En cambio, Neve es un pianista graduado con menciones y maestrías en jazz y música clásica. El trabajo se llama For All We Know y es un disco cargado de finas sutilezas, solo voz y piano son los protagonistas y encargados de versionar standars de jazz como “Autumn in New York” de Vernon Duke , “Embraceable You” de los hermanos George y Ira Gershwin o “Just Squeeze Me” de Duke Ellington, es un trabajo en el cual ambos artistas logran tomar distancia de sus propias carreras y se sumergen con personalidad y originalidad en las aguas de estos clásicos eternos, un álbum grato por partida doble primero por la frescura de las versiones y segundo por la vuelta de uno de los grandes sellos de jazz de toda la historia , Impulse!
Lean Ruano.-




DAVID SYLVIAN - SLEEPWALKERS

Como me suele suceder muy a menudo, la expectativa que me genera al enterarme de que esta por editarse un nuevo disco de un determinado artista que realmente ‘me enloquece positivamente’ (por supuesto) Este es el caso de Sleepwalkers, el nuevo disco del ex Japan, David Sylvian, un artista que fue ganando territorio en mi repertorio de gustos personales y que comenzó con aquella fantástica producción a dúo con Robert Fripp titulada The First day allá por 1993. Sus últimas dos producciones como solista, Blemish (2003) y Manafon (2009) representaron una real hegemonía sólida e introspectiva mas que personal con relación al artista. Ambas producciones sacaron al desnudo lo que ronda musicalmente por la cabeza de Sylvian: trabajos para nada comerciales, sino todo lo contrario, muy difíciles de asimilar pero lo engrandece como compositor, músico y cantante ingles.
A lo largo de los últimos años se lo vinculó con una serie de colaboraciones con artistas líderes del pop, la improvisación, la electrónica y la música contemporánea junto a proyectos alternativos que lo colocaron a la cabeza de grupo, como ser, el actual Nine Horses junto a su hermano, ex compañero en Japan y baterista Steve Jansen. Quizás con el que ha coqueteado más hacia un regreso a su pequeño costado pop,
Sleepwalkers representa lo mejor de todas las grabaciones que Sylvian, ha registrado a dúo junto a todos esos artistas en los últimos años. Representa el mejor legado para esos encuentros puntuales y colaboraciones de toda la vida, magistralmente remezclado y ordenado, nos pasea de lo experimental al pop más exuberante, de lo romántico a lo sensual y de lo encantador a lo intrigante, ya sea, en sus letras como en su particular tono de voz. Un disco que puede llegar a ser apreciado como lo fue el recopilatorio de 2000 titulado Everything and Nothing donde nos brindaba sus mejores temas comerciales (muy pocos) y no comerciales (muchos pero elegantes), pero que, tan bien apreciado por la crítica inglesa.
Quizás, resumiendo lo que significa Sleepwalkers, podría decir que, es una retrospectiva digna de un artista culto, único e inteligente que abarca la última década de su trabajo. Aun así, creo que no convendría en el caso de no conocer toda su discografía, un disco para comenzar a escucharlo ‘de verdad’. Lo ideal (a mi opinión) sería realmente comenzar por el comienzo (valga la redundancia) Desde los primeros días de la década del ‘80 frente del glamoroso Japan, entendiendo su separación como para emprender su carrera solista, analizando e ir observando su real evolución como artista hasta, llegar ahora sí, a Sleepwalkers.
Realmente un gusto hablar de Sylvian. Y flor de gusto me generaría que lo descubran si no lo conocen.
Diego Bochor.-




viernes, 22 de octubre de 2010

JOHN LEGEND & THE ROOTS - WAKE UP!

John Legend fue en la última década uno de los mas grandes responsables de mantener viva la llama de la música negra. El soul, el funk y el r&b se vestían de gala en sus discos. En el año 2004 con el lanzamiento de Get Lifted alcanzó la cima y la consagración al vender más de tres millones de copias y alzarse con tres Grammys. Luego en el año 2006 llego Once Again, en mi humilde opinión, el mejor trabajo del músico nacido en Ohio en 1978. Tras el traspié que significo Evolver en el 2008, coqueteando con sonidos pop demasiados edulcorados, llego la hora de volver a las raíces a renovar la esencia de esa música que se escribe con el alma, y si hablamos de raíces nada mejor que unirse a la gran banda de hip – hop de Philadelphia, The Roots, la cual ya lleva más de veinte años de trayectoria.
John Legend & The Roots nos presentan Wake Up! Una combinación explosiva de funk y soul, un disco que reúne lo más representativo del género de la década del sesenta y setenta, el primer sencillo es “Wake Up Everybody” acompañado por las voces de Melanie Fiona y el gran rapero Common. El álbum consta de once temas clásicos más “Shine” el único tema original escrito por Legend el cual formara parte del documental –Waiting For Superman- del director Davis Guhhenheim , entre los clásicos se destaca la versión de “Hard Times” del enorme Curtis Mayfield, “Wholly Holly” de Marvin Gaye y “I Can’t Write Left Handed” de Bill Whiters.
Wake Up! Es un trabajo en conjunto de dos artistas que disfrutan revisionando grandes temas de sus héroes musicales, la producción en manos de Ahmir “?uestlove” Thompson (legendario baterista de The Roots) y el propio Legend es muy lograda y le inyecta frescura a grandes obras de un pasado inoxidable.
La idea de un disco en conjunto entre ambos artistas surgió en el verano del 2008 en plena campaña electoral estadounidense. Campaña que significaría un cambio esperanzador para los jóvenes que apuestan a un proyecto de paz, paz que lamentablemente parece estar lejos de ser alcanzada. Estas canciones escritas con el alma de los mejores músicos negros de los 60’s y 70’s nos invitan a despertarnos! Y nunca perder las esperanzas.
Lean Ruano.-

jueves, 14 de octubre de 2010

MANIC STREET PREACHERS - POSTCARDS FROM A YOUNG MAN

El Brit pop después del Brit pop... esa es la premisa en el nuevo trabajo de los Galeses de Manic Street Preachers titulado Postcards From a Young Man décimo en su regular carrera. Los MSP han sabido mantener una carrera más que interesante, quizás con algún altibajo allá por el año 2001 con Know Your Enemy pero, el resto de sus álbumes siempre lograron estar plagados de excelentes canciones amalgamando un rock duro de guitarras, pero a la vez sumamente melodioso. El año pasado nos entregaron Journal For Plague Lovers donde, retomaban viejas letras de su desaparecido guitarrista Richey Jamnes y logaron junto a Nina Persson de The Cardigans una exitosa colaboración en el tema “Your Love Alone Is Not Enough” que los devolvió a los primeros puestos de las listas británicas.
Postcards From A Young Man es un trabajo que apuesta a estribillos heróicos y adhesivos como en los mejores tiempos de la banda me refiero a sus dos grandes obras The Holy Bible (1994) y Everything Must Go (1996.) La participación de Ian McCulloch (voz de Echo and the Bunnymen) en el tema “Some Kind of Nothingness” le da un aire de clásico instantáneo, el álbum esta lleno de potenciales hits como, el que le da titulo al álbum o “(It’s Not War) Just The End Of Love” el encargado de abrir el disco. La lista de invitados sigue y John Cale (ex Velvet Underground) suma su piano en “Auto-Intoxication” de lo más logrado del álbum y el ex bajista Gunner - Duff Mckagan aporta lo suyo en el tema más rocker “A Billion Balconies Facing The Sun”.
Coros gospel, arreglos de cuerdas, la voz de James Bradfield más eufórica que nunca y guitarras con justas distorsiones más alguna que otra acústica, completan un trabajo que de nuevo no tiene absolutamente nada pero nos demuestra que, los galeses siguen encontrando el pulso exacto para componer himnos que sirven para corear en estadios al aire libre o encender los encendedores (perdón los celulares) en alguna que otra balada, un trabajo de fácil degustación: una combinación de sonidos agradables al oído.
¿Es eso la música? o no.
Lean Ruano.-





BAD LIEUTENANT - NEVER CRY ANOTHER TEAR

Acá de regreso sobre mis rieles, uno de los discos que me han acompañado a lo largo de las últimas semanas es, el del nuevo supreproyecto de los miembros de New Order (Bernard Sumner, Phil Cunningham, y Stephen Morris), más el bajista de Blur (Alex James) y un tal Jake Evans proveniente de un grupo inédito (al menos para mí) llamado Rambo and Leroy.
El debut se titula Never Cry Another Tear y sinceramente me pareció espectacular. Nada nuevo, quizás, nada que diga “uh... sonido nuevo desde las voces de Sumner” pero, es de los discos que merecen el calificativo de, mas de lo mismo pero muy bien hecho. Acá la diferencia esta en que, no encontraremos melodías synth tecno dance que nos solía mechar un disco de New Order, sino todo lo contrario. Un sonido más en parentesco con el proyecto que actualmente se encuentra en Stan-By de Sumner conocido como Electronic, es decir, puro gancho pop-rock, con melodías más que pegadizas, buenas voces, muchas guitarras y una gran banda detrás.
La sorpresa fue la gran voz de Jake Evans que si bien no asume el rol de vocalista principal (la mayoría de las canciones las canta Bernard Sumner), donde su tono nos hace pensar en un Noel Gallagher autentico y mas que parecido. Dichos detalles podemos escucharlos en la grandiosa balada “These changes”, el muy buen “Shine Like The Sun”, el correcto “Head Into Tomorrow” y el cierre con “Split the Atom”. Toda una sorpresa para los que no lo conocíamos. Pero claro esta que, a la hora de la comparación, nos seguimos quedando con la calida voz de Sumner quien, sinceramente no le ha pasado el tiempo y eso se nota en tonos majestuosos como los que entona en “Sink Or Swim” (primer corte), “Twist of Fate” de lo mejor que le escuche en su voz, “This is Home” y la majestuosa “Walk on Silver Water”, donde realmente demuestra su máximo dote vocal. Mención aparte para “Summer Days” donde pareciera que escucháramos lo nuevo de The Charlatans Uk.
Resumiendo: fantástica producción que ojala tenga continuación. No conozco el motivo de porque no continuaron bajo el nombre de New Order pero, supongo que debe estar mas que claro tras la pelea y partida con el bajista del grupo Peter Hook (ya hablaré del súper grupo que formó llamado Freebass), y el querer asociarse a un gran bajista como lo es Alex James de otra gran banda que me deleita como lo es Blur. Este Never Cry Another Tear data de fin de 2009 pero, para mis oídos data de solo semanas atrás. ¡Quiero más!
Diego Bochor.-





viernes, 1 de octubre de 2010

STEVE MASON - BOYS OUTSIDE

Hay un gran momento en la película Alta Fidelidad (2000) del director Stephen Frears y es cuando, Jack Black le dice a John Cusack que quiere vender el disco de la Beta Band y pone a sonar el temazo “Dry the Rain” en la tienda de discos en la cual trabajan, los que están allí revolviendo las bateas inmediatamente le preguntan de quien es esa hermosa canción. La historia es que, a todos los que escuchamos por primera vez la Beta Band nos paso algo similar a esta película, cual es basada en el libro de Nick Hornby.
The Beta Band editó tres discos entre 1999 y 2004, los tres de altísima calidad y gran vuelo psicodélico, mezclado bases electrónicas con pianos y guitarras que nos hacían viajar al mas allá. El grupo estaba liderado por su cantante Steve Mason, tras la disolución de la banda Steve editó algunos trabajos bajo seudónimos como: King Biscuit, Time y Black Affair sin lograr la repercusión que había logrado con la Beta Band. Ahora por primera vez Steve edita un álbum bajo su nombre y apellido.
Steve Mason – Boys Outside es un disco más pop, más accesible y en gran parte esto se debe a que la producción esta a cargo de Richard X, quien ya trabajo con Goldfrapp y Kelis entre otros artistas siempre relacionados con el electro pop.
El hipnótico pulso de “Understand my Heart” es el tema encargado de abrir el fuego y la inconfundible voz del escoses y sus aletargados fraseos nos introducen en un recorrido por el pop más sugerente que el ex Beta haya compuesto, “Am I Just a Man” y “Yesterday” con el agregado de alguna guitarra acústica siguen por la misma senda.
“Lost and Found” es el primer single con arreglos de piano bien al frente y base electro, pop de alta costura, también se destacan la balada cuasi folk “I Let Her In” y el synth pop de “Strees Position”.
Boys Outside es el trabajo más cercano al mainstream que Steve Mason haya realizado pero, esto no significa que la calidad en sus composiciones se haya deteriorado, menos psicodélico y más directo, melodías bien trabajadas, buenos arreglos y menos ataduras con su pasado. Un disco solista con nombre propio
Lean Ruano.-




lunes, 27 de septiembre de 2010

GRINDERMAN - GRINDERMAN 2

Segundo trabajo para el cuarteto liderado por el australiano Nick Cave. Hablar de Nick Cave es hablar de uno de los mejores compositores de los últimos veinte años. Es tan grande el universo de Cave que, al principio cuesta adentrarse y empezar a digerir disco a disco toda la gama de oscura creatividad que nos ofrece al frente de su ya legendaria banda The Bad Seeds o, a si mismo, en sus trabajos para diferentes bandas de sonidos de películas como The Proposition (2005) o The Assassination of Jesse James (2007), ambas junto al violinista Warren Ellis. Sin lugar a dudas es junto a Tom Waits (¡¡¡de pie por favor!!!) uno de mis músicos favoritos.
Grinderman es un proyecto paralelo que Cave formó junto a otros miembros de The Bad Seeds, como el ya mencionado Warren Ellis, el baterista Jim Sclavunos y el bajista Martyn Casey, a diferencia de lo que ocurre con Nick Cave and the Bad Seeds es que en Grinderman el proceso compositivo es más grupal, generando un feedback entre todos los integrantes de la banda, lo cual según el mismísimo Ellis lo hace todo mucho más divertido.
Que Grinderman tenga un segundo disco ya es toda una noticia en si, en cuanto al contenido del álbum las cosas no variaron demasiado de su disco debut Grinderman (2007) siguen esos arrebatos de energía algo punkie, bien sucio y desprolijo pero, también hay momentos para melodías y pasajes un tanto mas tranquilos.
El primer tema “Mickey Mouse and the Goodbye Man” es un típico tema Cave guitarras sucias al frente y esas estrofas prácticamente recitadas como un pastor dando su sermón a los fieles, también hay lugar para algunos toques industriales como en “Worm Tamer” tremenda línea de bajo de Mr. Casey, tercer tema y primer corte del disco “Heathen Child” prestar atención al video con tintes surrealistas y apocalípticos, “When My Baby Comes” y “Evil” tranquilamente podrían pertenecer a Dig Lazaruz Dig!!!! (2008) último trabajo de Nick Cave and the Bad Seeds, “Palace of Moctezuma” con guitarras acústicas y coros es el tema gospel del disco y la despedida es con “Bellringer Blues” o como el blues es entendido por estos cuatro jinetes de la oscuridad.
Grinderman 2 no es un disco novedoso, ni lo mejor que hizo Nick Cave y sus amigotes pero, se agradece que existan estas canciones y que sigan en la ruta siempre es buena noticia.
Lean Ruano.-

viernes, 17 de septiembre de 2010

EELS - TOMORROW MORNING

Mark Oliver Everett o Mr. “E” como suelen llamarlo sus fans es el único miembro estable del grupo de rock alternativo Eels. Cuando escucho hablar de Eels es inevitable no viajar con la memoria a mediados de los años noventa y recordar el espectacular video del tema que los hiciera conocidos (o por lo menos para mí), “Novocaine for the Soul”, sí aquel del callejón donde los tres miembros de la banda se elevaban y flotaban por el aire de manera misteriosa, mas allá de que la canción es hermosa y aquel disco debut de Eels - Beautiful Freak (1996), era excelente, lo que más me atraía era el video. Pasó el tiempo y Eels se transformó en un grupo de culto con miembros que entraban y salían de la banda, hoy día es la banda donde Mark Everett logra purgar sus demonios con canciones.
En el 2005 editaron Blinking Ligths and Others Revelations un increíble disco doble que para muchos alcanza el pico más alto de su carrera. Después solo algunas compilaciones de rarezas y algún que otro trabajo en vivo hasta que, en junio del 2009 ve la luz Hombre Lobo:12 Songs Of Desire, un trabajo que matizaba baladas midtempo con furiosos rockanrolles. A comienzos de este año Mr E nos presentó, End Times en el cual plasma todo su desencanto frente al inminente divorcio que estaba sobrellevando. Ahora y para cerrar esta trilogía un tanto errática es el turno de Tomorrow Morning y un halo de luz aparece en el fondo del oscuro callejón, aunque el hombre de barba siga componiendo esas canciones de tristes melodías en este disco se percibe un sentido del humor un poco más alegre que en su antecesor trabajo, hay lugar para máquinas de ritmo y cierto optimismo pop que, por momentos, inunda tanto mar de melancolía y tristeza.
Teniendo en cuenta que el disco consta de diecinueve canciones y que prácticamente en un año Mr. E editó tres discos, es imposible que todas sus composiciones estén en un nivel superlativo, lo más destacado son los teclados y las cajas de ritmo que ha incluido en temas como “Spectacular Girl” o “Baby Loves Me”, el seudo triphop a lo Portishead de “That’s Not Her Way” y el rock n roll de “Looking Up”, también hay lugar para la canción de autor en “I’m Hummingbird”, no estamos frente al mejor trabajo de Eels, quizás por ser un disco de muchas canciones peca de ser un tanto disperso y muchos temas pasan sin dejar ninguna mella.
Lean Ruano.-

viernes, 10 de septiembre de 2010

ISOBEL CAMPBELL / MARK LANEGAN - HAWK

Tercer trabajo en conjunto para ‘la bella y la bestia’, la princesita Indie y el veterano grunge, los opuestos se atraen de eso no cabe ninguna duda. Isobel Campbell (ex Belle & Sebastian) y Mark Lanegan (ex Screaming TreesQOTSA) comenzaron su unión musical en el año 2006 con Ballad of the Broken Seas, en seguida hubo química entre la dulce voz de ella y la aguarrentosa garganta de él. En 2008 nos presentaron Sunday at Devil Dirt abordando de forma magistral las raíces de la canción americana acercándose a un folk – country rústico, polvoriento, mamado tanto de Hank Williams como de Neil Young. El nuevo trabajo de la pareja lleva por titulo Hawk y está compuesto, arreglado y producido íntegramente por Isobel excepto las dos versiones que la pareja realiza del gran cantautor de la década del sesenta y setenta Townes Van Zandt ellas son, “Snake Song” y “No Place to Fall” esta última con los coros del joven Willy Mason obviamente con una voz menos sucia que la de Lanegan.
El encanto de este nuevo trabajo radica en primer lugar que las canciones son de un nivel compositivo excelente y en segundo los contrastes vocales que siguen en continua provocación entre la voz del hombre maduro y los susurros de nenita ingenua de ella (aunque ya Campbell de ingenua no tenga nada). El disco vuelve a abordar baladas acústicas como “Sunrise”, sonidos mas bluseados en “You Won’t Let Me Down Again” en la que se luce el ex guitarrista de los Smashing Pumpkins James Isha, el gospel de “Lately” y la hermosa melodía de “Come Undone” y “Eyes of Green” .
Con este trabajo Isobel Campbell logra alejarse definitivamente del sonido pop de su Glasgow natal para, ya de forma determinante, congeniar un dúo a la altura de Johnny Cash y June Carter, Lee Hazlewood y Nancy Sinatra o Serge Gainsbourg y Jane Birkin.
Hawk es un excelente disco para salir a la ruta una noche de luna llena y dejarse guiar por los sueños de una chica europea y un chico estadounidense ¡Bon Voyage!
Lean Ruano.-

viernes, 3 de septiembre de 2010

JAY BENNETT - KICKING AT THE PERFUMED AIR

El 24 de mayo de 2009 mientras dormía en su casa de Urbana, Illinois fallecía el multiinstrumentista y cantante Jay Bennett, había comenzado su carrera subido al vendaval grunge con su primer grupo Titanic Love Affair, banda con la cual editó tres larga duración entre 1991 y 1996. En 1994 Jay había ingresado a formar parte de Wilco, quienes en 1995 editaron su álbum debut A.M. (Sire Records) y acompañó en su escalada de éxito en los siguientes trabajos Being There (1996), Summerteeth (1999) y Yankee Hotel Foxtrot en el año 2002. Jay siempre se mantuvo a la sombra de Jeff Tweedy principal vocalista y líder de Wilco.
Durante la grabación de Yankee Hotel Foxtrot el clima de tensión era extremo y las peleas entre ambos eran constantes lo que derivo en el ‘despido’ de Bennett por parte de Tweedy, esto quedó plasmado en el excelente documental I’m Trying to Break Your Heart : A Film About Wilco (2002) del director Sam Jones, hoy da escalofríos ver la imagen en la cual ambos discuten fervorosamente sobre la mezcla de un tema y Tweedy debe salir de urgencia a vomitar al baño del estudio de grabación, la tozudez de uno y el ego de otro dio por muerta la pareja compositiva del mejor Wilco.
Tras la partida de la banda Jay puso en marcha su propio estudio de grabación y trabajo como cesionista para artistas como Sheryl Crow y Allison Moorer, pero nunca pudo superar ya no pertenecer a una de las mejores bandas alternativas de rock estadounidense. Editó cuatro discos solistas sin mayor trascendencia. Como necesitaba de una urgente operación de cadera y no contaba con seguro médico que le cubriera dicha intervención, inició una demanda contra Tweedy el mismo mes de su muerte por royalties impagos.
A más de un año de su deceso, ve la luz Kicking at the Perfumed Air disco en el que estaba trabajando antes de morir. Es un álbum cien por ciento intimista, la mayoría de las canciones solo son acompañadas por la guitarra acústica de Jay y su tono de voz suena cansado y desolador, temas mid-tempo como “Mirror Ball”, “Invitation” y “Hotel Song” nos recuerdan al Neil Young menos temperamental, “Second Last Call” es una preciosa tonada típicamente americana y la calma nostalgiosa que inunda “Footprints” nos reflejan como habrá pasado sus últimos días con el corazón roto el bueno de Jay, un disco de despedida y para no olvidarnos que las buenas canciones nunca mueren.
Lean Ruano.-

viernes, 27 de agosto de 2010

MAIKA MAKOVSKI - MAIKA MAKOVSKI

En esta ocasión quiero compartir con todos ustedes el placer que me ocasionó descubrir a Maika Makovski, a quien en verdad escuché porque su nuevo trabajo de título homónimo venía precedido con los laureles de estar producido por el enorme John Parish. El mismo, cuenta con una trayectoria más que interesante en el circuito de rock indie por haber trabajado con artistas de la talla de Giant Sand, Dominique A, Tracy Chapman y P. J Harvey (con quien tiene dos discos editados a dúo.) La verdad es que, descubrí una oncena de canciones extraordinarias en donde se nota la mano del viejo zorro de Parish pero, a su vez las composiciones son de una emotiva expresividad y cuentan con un peso propio de gran espontaneidad y frescura.
Maika Makovski nació en Palma de Mallorca en el año 1983 es compositora, guitarrista y pianista, por sus venas corre sangre andaluza-macedonia y comenzó a escribir canciones con apenas doce años, a los quince gano el Festival de Pop Rock de su ciudad natal, en la actualidad reside en Nueva York.
Su primer trabajo discográfico se llamo Kradiaw y vió la luz en el año 2005 con marcadas influencias de punk-rock, dos años más tarde editó Kraj So Koferot donde dejaba un poco de lado las tonadas punkies para navegar en un mar de melodías dulces y juguetonas.
Después de tres años de silencio Maika nos entrega su obra más personal, sin dudas estamos frente a su trabajo más maduro como compositora y como intérprete, es muy coherente que este tercer disco lleve como título su nombre y apellido.
Es inevitable las comparaciones con Polly Jean Harvey pero a no confundirse, Maika Makovski no es una copia burda de P.J. sino que, sabe arroparse con las mejores vestiduras de la inglesa y esto queda claro en temas como “Lava Love” y “Ruled By Mars” con guitarras bien marcadas y rasgadas con sutil desenvoltura indie, “Game of Doses” vuela sobre un riff de guitarra acústica polvorienta al mejor estilo Calexico o Richmond Fontaine, descollante el contrabajo en “Devil Tricks” pura tracción a sangre.
Maika Makovski evolucionó notablemente con este tercer trabajo, con una equilibrada combustión a fuego lento entre el equipo de producción (Mr. Parish) y las composiciones (Lady Makovski), este disco se va añejar como los buenos vinos para convertirse en un clásico con el tiempo ¡Salud!
Lean Ruano.-






En vivo el 10 de junio 2010 en la plaza mayor de salamanca.

THE HOT RATS - TURN ONS

Es una verdadera lástima la que me ocasiona el enterarme que tal banda se ha disuelto por equis motivo, o que necesitan un tiempo para poder probar con otras cosas, otros sonidos (esto me deja más tranquilo.) Y eso fue lo que me ocurrió al enterarme de la separación de Supegrass. Por consiguiente, la creación de un nuevo proyecto de su cantante Gaz Coombes y de su batero Danny Goffey llamado, The Hot Rats (las ratas calientes.) Si al toque de la separación dieron vida a este hervidero de puro rock noise haciéndole culto a su escuela bien británica, por supuesto. Pero he aquí la frutilla del postre: Nigel Godrich en la producción de la placa debut que se titula Turns Ons.
Un gran disco de versiones donde la mano de Godrich, una vez más, se nota y se valora como siempre ocurre cuando se escucha una placa producida por él. Adrenalina, pasión y ritmo: son la palabras más acertadas que puedo usar para definir esta magnifica producción, donde rescato por alto las versiones de “The crystal ship” - The Doors, “(You Gotta) Fight For You Right (To Party!)” de los - Beastie Boys, “Pump It Up” - Elvis Costello, “Bike” - Pink Floyd, “Queen Bitch” - Bowie y “I Can´t stand It” - Velvet Underground.
Se ve que lo han tomado bien en serio porque, para realmente sonar así en un disco de versiones y contratar a un productor de la talla de Godrich, da realmente para tomárselo más que serio, ya que, el sonido logrado me recuerda mucho al mejor Supegrass bien garajero de sus primeros discos. ¡Bien por ellos! Pero, quiero que vuelva a reunirse Supergrass.
Diego Bochor.-


viernes, 20 de agosto de 2010

DIRTY PROJECTORS & BJORK - MOUNT WITTENBERG ORCA

Hay pocos artistas que son esperados con tanta ansiedad cuando se anuncia la salida de material nuevo, uno de ellos sin lugar a dudas es, la islandesa Bjork. Aún más si hablamos que, su último trabajo en estudio Volta data del año 2007. En esta ocasión la magistral voz del ‘duende islandes’ se unió al cuarteto de pop psicodélico Dirty Projectors, comandados por Dave Longstreth en voz y guitarras para editar un Ep. Las ganancias serán donadas para que la National Geographic Society financie la creación de áreas marítimas protegidas, ya que al menos por ahora, solamente el 1% del océano esta protegido.
Mount Wittenberg Orca consta de siete canciones y no supera los veintiún minutos de duración y solo se consigue en formato digital en el site http://www.mountwittenbergorca.com/ donde uno puede seleccionar entre 5 y 100 dólares que abonara por dicho material. La unión de estos dos maravillosos artistas se da en primer lugar por la admiración mutua que se tienen y por que, Bjork ya había participado en el año 2009 de algunos shows junto al cuarteto de Brooklyn.
El disco transita por zonas donde prevalecen los experimentos vocales a los que nos tiene acostumbrado la última Bjork en adelante, aquella de Medulla (2004) - su trabajo más arriesgado - con esos coros fascinantes pero a la vez tortuosos. El comienzo con el tema “Ocean” es un claro ejemplo, tratando de imitar el sonido de las ballenas con la voz humana puede llevar a enervar el sistema central nervioso de cualquier individuo pero, la cosa toma otro color en “On And Ever Onward” ya con la voz de Bjork en primer plano cantando una melodía dulce y juguetona. Después de todo no dejan de ser canciones arropadas con una instrumentación mínima y revestidas con arreglos vocales un tanto irritantes para un oído poco acostumbrado.
“When The World Comes To An End” tiene la impronta del pop lo/fi de los Dirty Projectors con exóticas guitarras y coros tridimensionales, hasta que, llegamos al tema más oscuro del disco “Sharing Orb”, para mi gusto la canción más trabajada de la producción además de ser un excelente tema con peso propio y con una dosis de penumbra que contrasta con el resto de las canciones.
Teniendo en cuenta que Mount Wittenberg Orca se creó en una semana y se ensayó en tan solo tres días y además, es una obra con fines benéficos, por lo tanto lo que salió, salió más que bien. Es lo que definiríamos como una obra de canciones pop espontáneas, minimalistas, este trabajo sirve como aperitivo de lo que será un futuro disco de Bjork además de estar confirmada su colaboración en el nuevo trabajo de Antony and the Johnsons para fin de este 2010.
Lean Ruano.-

TRI RECOMENDACIÓN - Por Diego Bochor

SHARLEEN SPITERI - THE MOVIE SONGBOOK
Segundo disco como solista de la líder y vocalista del grupo Texas que tanto nos acompañaron en la década de los ‘80 con buenos clásicos pop, que incluso, fueron cortina de varias series televisivas aun en los ‘90, y en la presente década del 2000. En esta nueva y reciente producción, Sharleen nos sorprende con un disco de clásicos que van del jazz, al folk, pasando por el pop y el rockabilly. Para ser sinceros, no tiene nada de originalidad ante tanta ola empalagosa llámese Amy Winehouse, Duffy, o qué se yo. Pero, las versiones de clásicos como "If I Can't Have You", “God Bless The Child", "Between The Bars" y el mega clásico "Sound Of Silence" hicieron que realmente recomiende este disco, no por su originalidad, repito, sino por su magnifica interpretación.



ELK CITY - HOUSE OF TONGUES
Para resumir de donde son, solo me remito a la ciudad de New York hacia fines de la década del ’90. Surgida tras la disolución de The Melting Hopefuls. Ante tantas idas y venidas de sus integrantes, los miembros originales son la vocalista Renee Lo Bue ,el batero Ray Kletchem y el puesto de guitarra actualmente ocupado por un viejo conocido llamado Sean Eden (ex guitarrista del grupo Luna), reemplazando a otro miembro original, Peter Langland-Hassan, quien partiera tras el primer disco de Elk City. ¿Qué decir de ellos? Sonido bien neoyorkino, muy en la vena de Pretenders, Pixies, Grandaddy, The Breeders, etc. Una voz muy similar a la de Kim Deal (The Breeders), con canciones de muy buen pie como ser "Real Low Riders", "Wire Goats", "Nine o'Clock in France" y "Jerks on ice", precisamente las cuatro primeras que hacen que de entrada nuestros oídos exquisitos se deleiten con un precioso manjar para disfrutar.



ROBERT POLLARD - MOSES ON A SNAIL
Una máquina de lanzar discos. Desde el 2005, aproximadamente y sin contar sus anteriores. Él tipo, ex líder de los actualmente dormidos Guided By Voices, lanza un promedio de 2 a 3 álbumes por año, algunos sobrios, otros, de solamente mucho ruido y otros un tanto intrascendentes e incomprensibles. En lo que va de este año, este reciente Moses on a Snail es su segundo, tras su muy buen We All Got Out of the Army y créanme que, "Moses..." ampliamente lo supera. Al fin un gran disco de Robert Pollard, a pura melodía (de la suya, claro...), con grandes canciones como "Weekly Crow" (que abre el disco), "Constant Strangle", “Arrows & Balloons” (muy Kinks), “Lie Like A Dog” (con muy buena voz), e increíblemente canciones donde le pude rescatar un sonido muy Porcupine Tree (sí... leyeron bien) En “It´S A Pleasure Being You” y “Teardrops Paintballs” (recordándome a Suede mas Porcupine Tree) Sin dudas, su mejor disco tanto en melodía como en interpretación. ¡Al fin!


"> Robert Pollard en vivo en Dayton, OH en Canal Street Tavern July 9, 2010 interpretando ¨Moses on a snail / Things have changed¨. No hay video oficial del nuevo disco.

Visitas OCTUBRE

El 13 de Octubre RAGE AGAINST THE MACHINE y QUEEN OF THE STONE AGE lejos la mejor fecha del PEPSI MUSIC.

Visitas NOVIEMBRE

Estimados se anuncia para el 18 /19 de Noviembre en lugar a confirmar dentro del marco del PERSONAL FEST: cabezas de cartel MASSIVE ATTACK y PHOENIX entre otros... a juntar platita.

jueves, 12 de agosto de 2010

SCOTT WALKER – 30 CENTURY MAN (DVD – DOCUMENTAL)

En la noche del lunes 09/08 a las 23.30hs gracias a la señal de cable I-Sat pude disfrutar del excelente documental del director Stephen Kijak sobre la vida de uno de los personajes más enigmáticos de la historia del pop/ rock, estoy hablando del talentoso Noel Scott Engel más conocido como Scott Walker.
El mismo nos muestra a un Scott de tierna edad iniciando su carrera en los Estado Unidos, y su consagración junto a The Walker Brothers en Gran Bretaña a mediado de los años sesenta, viviendo la histeria de las fanáticas locas por estos cantantes de dulces melodías pop y flequillos prolijamente despeinados. En 1967 Scott da el puntapié inicial de su carrera solista con una tetralogía de oro para el pop orquestado, se fascina con el compositor francés Jacques Brel y con todo el existencialismo reinante de aquel momento leyendo desde Jean Paul Sartre hasta los escritores beatniks neoyorquinos como, Jack Kerouac. Debido al fracaso comercial de su cuarto trabajo solista Scott IV (1969) el músico se sumerge en un silencio en el cual fue incapaz de escribir canciones hasta 1978.
Scott Walker dejó de lado al cantante pop y sus trabajos están plagados de ambientes y sonidos/ ruidos, acercándose a círculos de composición vanguardista. En 1984 edita Climate of Hunter, en 1995 Tilt y en el año 2006 su trabajo más arriesgado The Drift. El cual, logra desesperar al oyente por la atmósfera asfixiante que envuelve todo el álbum.
El documental nos muestra a un artista en el ‘hoy’ a sus sesenta y pico de años el cual declara que, el fracaso comercial lo salvó de seguir repitiendo fórmulas por el simple hecho de cumplir un contrato con cierta discográfica, algo muy deprimente para un espíritu libre como el de Scott. También se pueden ver declaraciones de artistas que han sido influenciados por la obra de Walker como, Jarvis Cocker, David Bowie y Damon Albarn entre otros.
“Al final es imposible no convertirse en quien los demás creen que eres” (Scott Walker)
Lean Ruano.-
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Visitas NOVIEMBRE

ENRIQUE BUNBURY en el TEATRO GRAN REX
El gran Bunbury vuelve a Buenos Aires y se presenta el 3 de Noviembre en el teatro Gran Rex en el marco de Las Consecuencias Tour 2010.

viernes, 30 de julio de 2010

!!! - STRANGE WEATHER, ISN’T IT?

Los amantes del dance punk o de la electrónica con ribetes funkys tienen sobrados motivos para estar desbordados de felicidad este año, tras la salida del nuevo trabajo de LCD Soundsystem This is Happening (Virgin.) Otra verdadera muestra del genio que es James Murphy a la hora de incendiar las pistas con ritmos de rock cien por ciento bailables, ahora llega el turno de presentar el último disco de los impronunciables !!! - la forma más popular para referirse a la banda es Chk Chk Chk - mas allá de la originalidad de estos neoyorquinos a la hora de elegir un nombre para su grupo también, se destacan a la hora de crear música y nos siguen sorprendiendo disco tras disco. En este cuarto trabajo titulado Strange Weather, Isn’t It (Warp), la banda liderada por el vocalista Nic Offer nos presenta un trabajo que podemos definir como ‘irresistible’ desde su comienzo con el primer corte “AM/FM” de ritmo suspendido y contagioso con una línea de bajo bien funk rememorando a los gloriosos Happy Mondays. “The Must Certain Sure” y “Jamie, My Intentions are Bass” siguen un camino más bailable tal como proponían en su anterior producción Myth Takes (Warp 2007.) Para este disco la formación original sufrió varios cambios de integrantes pero, la esencia de la banda no se resintió en lo mas mínimo.
!!! siempre se destacaron por su combinación de variadas influencias el funk de los setentas como Funkadelick, Parliament y el synth pop de los ochentas de Soft Cell, Pet Shop Boys y la formula punk del ‘hazlo tu mismo’. Estos fueron los cimientos en los que se erigieron allá por 1996 cuando, las bandas Black Liquorice y Popesmashers decidieron fusionarse dándole vida a !!!, posteriormente llegaría el vocalista Nic Offer proveniente de la banda hardcore Yah Mos pero no seria hasta 2001 que lograrían editar su primer trabajo de titulo homónimo. Con su segundo larga duración fue que consiguieron un sonido más personal Louden Up Now (2004 Warp) y llegaron a una mayor cantidad de público gracias al sencillo “Me and Giuliani Down by the School Yard”.
Volviendo a este nuevo trabajo, los !!! siguen marcando el ritmo del dance rock a pura adrenalina, Strange Weather… es un trabajo sin fisuras donde la premisa es bailar y pasarla bien despojándose de todos los pruritos de que en el rock no se puede danzar. Es un disco hecho para agitar el esqueleto y lo sorprendente es que, todos los instrumentos están tocados sin echar mano a pistas pregrabadas. El gran tema sin dudas es “The Hammer” con unas percusiones que podrían envidiarle los The Rapture y hasta el propio rey James Murphy. Bienvenidos al baile infeccioso de los !!! (Chk Chk Chk) o como ustedes quieran pronunciarlos, al fin y al cabo lo importante es bailar!!!
Lean Ruano (el bailarín asesino).-

viernes, 23 de julio de 2010

ADRIAN BELEW - EN ARGENTINA

Vuelve a nuestro país uno de los músicos que más ha revolucionado el sonido de la guitarra en los últimos treinta años, Adrian Belew. Se presenta en el Samsung Studio los días 7 y 8 de Agosto, además de brindar una clínica para guitarristas antes de la segunda fecha. Ante este acontecimiento queremos brindarles una breve reseña de la voz de King Crimson.
Afines de la década del setenta Belew tocaba con su banda Sweetheart en Nashville, entre los concurrentes se encontraba Frank Zappa quien lo escuchó y quedó fascinado con la creatividad, buen gusto que destilaba el joven guitarrista y cantante sobre el escenario. Fue así que, el gran Zappa le propuso unirse a su banda para grabar el álbum Sheik Yarbouti (1979 Rykodisc), Belew no lo dudó y se unió a la trouppe de Zappa, quien por esos años ya era un músico reconocido y muy respetado entre sus colegas. Esto lo llevó a participar acto seguido en uno de los discos más importantes en la carrera de David Bowie, estoy hablando de Lodger (1979 Virgin), producido por el ex tecla dista de Roxy Music, Brian Eno. Así fue que, Adrian Belew fue cobrando reputación entre sus colegas como excelente guitarrista sino también como arreglador, evolucionar con su instrumento ya sea desde la forma de ejecutarlo pasando por la investigación y desarrollo de todo tipo de efectos sonoros lo transformaron en un músico de espíritu creativamente libre y con una marcada inclinación hacia lo experimental.
A principio de los años ochenta explotó el post punk y la new wave, el epicentro fue Nueva York, más precisamente el CBGB, local por el cual pasaron Blondie, Ramones, Iggy Pop y todos los ‘modernos’ de aquella época. Pero, los que seducieron al guitarrista fueron los increíbles Talking Heads, liderados por su cantante David Byrne, quien le propuso a Belew unírseles para la grabación de Remain in Light (1980 Sire Records), disco clave para la banda y que se convertiría en un clásico con el paso de los años.
Hasta estos momentos el guitarrista siempre había estado involucrado en magníficos proyectos pero, no eran propios hasta que en 1981 el virtuoso guitarrista Robert Fripp líder de King Crimson le propuso a Belew reformar la banda y colocarlo en el papel de frotman, así es como, King Crimson edita la increíble trilogía Discipline (1981 EG Records), Beat (1982 EG Records) y Three of a Perfect Pair (1984 MCA Records.) Además de Fripp y Belew, King Crimson se completaba con Bill Bruford (ex Yes) en bateria y Tony Levin quien venía de tocar entre otros con Peter Gabriel, Lou Reed y Paul Simon en bajo y stick. Luego de esto la banda se separa y volvería a unirse en 1994 para la mítica gira del doble trío, a los músicos ya mencionados se les unirían Trey Gunn en bajo y stick, y el ex Mr.Mister, Pat Masteltto en batería. Con esta formación King Crimson tocaría por primera vez en suelo argentino pero, Belew ya había estado en Buenos Aires en 1990 como parte de la banda de David Bowie en su debut por estas pampas.
Además de editar una interesante cantidad de trabajos como solista el cantante y guitarrista de King Crimson también supo trabajar con artistas de la talla de Laurie Anderson, Ryuichi Sakamoto y Nine Inch Nails entre otros. La última vez que el músico nos visitó fue con una propuesta acústica, para esta ocasión la cosa se viene bien eléctrica acompañado de su power trío. Señoras y señores los dejo con una versión de “Dinosaur” en vivo a modo de aperitivo. Bon apetit!
Lean Ruano.-

jueves, 15 de julio de 2010

PIXIES - Por primera vez en Argentina

Cuenta la leyenda que David Bowie se enfureció cuando escuchó por primera vez Nevermind (Geffen Records 1991), el gran disco que catapultó a la cima del rock a Nirvana. ¡La dinámica de las canciones se la robaron toda entera a los Pixies! exclamaba el duque blanco, y en parte es verdad. Sin quitarle méritos a Cobain y cia, fue el propio Kurt quien reconoció la gran influencia de los bostonianos sobre los de Seattle pero, esto no es nada más que una simple anécdota. La estela que dejaron los Pixies en el rock alternativo es enorme, a veinticuatro años de su formación todavía sus discos suenan como una gigantesca bocanada de aire puro y fresco, sus guitarras afiladas y sus feroces letras sobre temas surrealistas, ovnis o mentes emocionalmente frágiles marcaron a toda una generación.
Pixies se formo en 1986 cuando Charles Thompson (alias Black Francis, alias Frank Black) y Joey Santiago, fueron compañeros de la Universidad de Massachusetts Amherst en la carrera de antropología. Ambos, decidieron abandonar la carrera para formar una banda de rock. Sin ser músicos expertos los unía su gusto por la música vieja, ninguno de los dos escuchaba lo que estaba de moda, ni lo que era políticamente correcto escuchar. Publicaron un aviso clasificado buscando bajista aclarando que, a dicha persona debía de gustarle tanto la música folk de Peter, Paul and Mary como la banda hardcore punk Husker Du; Kim Deal fue la única que contesto dicho anuncio, a pesar que Kim nunca había tocado un bajo hasta ese momento. Ella fue quien acercó a la banda al baterista David Lovering, su única experiencia era, haber tocado la percusión en la orquesta de su colegio pero, David prestaba su garaje como sala de ensayo, lo cual ya era un punto a favor muy grande.
En un concierto que los Pixies daban junto a la banda Throwing Muses, los vió el productor discográfico Gary Smith, quien se los recomendó a Ivo Watts-Russell de 4AD Records, así consiguieron su primer contrato discográfico. En 1987 ve la luz el Ep Come on Pilgrim, el cual contenía ocho canciones. Pero, no es hasta 1988 cuando ve la luz el Lp Surfer Rosa, producido por Steve Albini - sí, sí, el mismo que Kurt Cobain eligió para la producción de In Utero (Geffen Records 1993) - el disco tuvo excelentes críticas de la prensa especializada por su estilo melódico y furioso a la vez. En 1989 editaron Doolittle esta vez producido por Gil Norton, este es un disco menos dramático que su antecesor pero, la calidad para componer canciones pop desenfrenadas que posee Black Francis es sorprendente y llamativa por su condición de autodidacta. Comienza una nueva década y ve la luz Bossanava (1990), en este disco los Pixies confirman su condición de grupo de rock n’ roll con aires surfers como unos Beach Boys electrificados.
Las peleas entre Black Francis y Kim Deal fueron prácticamente insostenibles, por ello Kim al no tener lugar sus composiciones decide formar The Breeders. Ya casi no tenían diálogo entre ambos pero, igual editan el ¿decepcionarte? Trompe le Monde (1991), la música de los Pixies pierde cierta frescura natural y se nota la falta de comunicación entre sus integrantes.
En 1993 y en pleno estallido masivo del Indie rock/ rock alternativo Black Francis anuncia en una entrevista a BBC Radio 5 la separación de la banda, sin dar más explicaciones. Él seguiría con su carrera solista como Frank Black y Kim Deal junto a su hermana gemela Kelley Deal continuarían al frente de The Breeders.
Después de años y años de especulaciones con una reunión, en abril de 2004 sucedió lo que muchos esperábamos… y milagro! los Pixies se volvieron a juntar sobre un escenario en Minnesota.
La infaltable cita es el miércoles 6 de Octubre en el Luna Park, por primera vez Pixies tocara suelo argentino, y para que vayan calentando los motores los dejo con una excelente versión del tema “Bone Machine” en vivo.
Lean Ruano.-