LA HISTORIA DE THE BOYS NEXT DOOR

The Boys Next Door fue la banda iniciática de NickCave, que así se llamó desde sus inicios en 1973 hasta su traslado a Inglaterra en 1980 donde cambian su nombre a The Birthday Party. Esta banda originaria de Australia, se formaba con Nicholas ‘Nick’ Cave (en voz), Michael Harvey (guitarra), Phillip Calvert (batería) y Tracy Pew (bajo). Como colaborador para algunos temas también contaban con el saxofonista, Christopher Coyne. En sus primeras épocas The Boys Next Door se dejaron influenciar por la fuerte tendencia del rock psicodélico y sobre todo el progresivo; sin embargo y lamentablemente, no hay registro alguno de ello salvo por grabaciones caseras que alguien pudo haber obtenido en las presentaciones, las cuales intercalaban covers de Lou Reed, David Bowie o Roxy Music  entre sus propios temas.

Todos los integrantes de The Boys eran adolescentes, por lo que su inicio artístico estuvo ligado a su despertar a la vida. Y con el correr de los años su maduración musical fue notable. La llegada de Rowland S. Howard acompañó ese proceso madurativo hasta llegar a culminar en la consolidación de un estilo particular marcado por los rítmicos y chirriantes toques de su guitarra.

Antes de 1979 ya tenían grabado algunos temas y videos, pero ese año lanzan su único disco oficial, Door, Door. Este trabajo consta de 10 temas y es una reliquia en muchos sentidos, sin embargo, se destaca por el hecho de haber sido el antecedente de la locura que fue The Birthday Party y, por qué no, del innovador del proyecto del Cave “maduro” en Nick Cave and The Bad Seeds.

Los temas del disco son variados, se podría decir que arranca bien arriba con "The Nightwatchman", tiene un pico sonoro y poético con "Somebody's Watching", y termina en el subsuelo con la hermosamente depresiva "Shivers", compuesta y cantada por Howard y Cave, respectivamente. Este disco tuvo una buena recepción en Australia y “Shivers” se convirtió en un éxito. Así también en 1979, sacaron el EP Hee Haw donde comienza a verse la transición y a su vez escucharse varios de los temas que, más adelante, formarán parte del primer disco de The Birthday Day.

En 1980 Australia se encontraba en posguerra y por consecuencia  - aunque más tardíamente que a otros países- la crisis política y socio-económica. Debido a esto, los músicos decidieron asentarse  y seguir el proyecto en Inglaterra. Una vez establecidos en tierra británica es que cambian de nombre a The Birthdat Party, marcando el fin de The Boys Next Door. Existen diferencias entre La Birthday y The boys  que pueden notarse no sólo en lo musical, sino también en la estetica que transmite en sus shows o videos. Como por ejemplo,  en la filmación de “These Boots Are Made For Walking” (1978) o “Shivers” (1979) se puede ver a los Boys con vestimenta formal y siguiendo tranquilamente serios el compás de la música; en “Nick The Stripper” (1981) de Birthday se los ve  y se los escucha más bien punk y frenéticos, en la imagen se lo ve a Nick Cave con el torso desnudo y una inscripción que dice “Hell”.

En este recorrido se vislumbra cómo en sus 7 años de desarrollo The Boys Next Door nació, creció y murió, dando un solo  fruto. Pero, demostrando mediante su único disco su talento para sintetizar años de labor y de exploración sonora y estilística, con un abanico que va desde tintes punks hasta destellos de jazz. Todo un desafío.

Silvina Ghiselli.-

GUAZUNCHO - CAUCE (EP) (2012)

 Segundo Ep para el correntino Iñaki Zubieta, tras su debut como solista bajo el seudónimo de Guazuncho en el  2011 con el exquisito Ep Puertas. Ahora llega el momento de Cauce, un trabajo de melodías reposadas y climas acústicos con amplio margen para la experimentación sonora.
Este flamante trabajo  comienza con el instrumental “En La Avenida”, el cual nos introduce a “Donde Vajas” tema en el que podemos palpar sus raíces folklóricas. “El Jardin” con  pianos bien al frente marcando y acompañando una melodía sensible y de letra melancólica es una verdadera gema de pop somnolienta.
Zubieta es un músico multiinstrumentista que a sabido liderar grupos como Tovogan y Las Liebres, y en el cual podemos encontrar de las más variadas influencias, ecos desde el mas lisérgico Brian Wilson, pasando por Nick Drake mezclado con Animal Collective.
Apertura psicodélica  para el tema que da nombre al trabajo “Cauces” para convertirse en una bellísima canción de indie folk.
Estamos ante un artesano de la canción, un perfeccionista de la sencillez.
Ocho tracks de indie folk campestre conforman este segundo trabajo de Guazuncho,  muy recomendable para oídos inquietos dispuestos a escuchar cosas nuevas
Lean Ruano.-

Ambos trabajos de Guazuncho se pueden descargar de la página del sello Fuego Amigo www.fuegoamigodiscos.com.ar

MACHINE HEAD – DEEP PURPLE (1972)

Machine Head es el sexto disco de estudio de la banda inglesa Deep Purple. Este álbum, de los tiempos del vinilo, fue grabado en 1971 en Montreux, Suiza. Para ser lanzado al año siguiente y convertirse, al cabo de unos meses, en el disco más vendido de esta banda. Hoy, 40´ años mas tarde, se puede decir sin duda que se trata de uno de los más grandes discos de hard rock de la historia.
En este trabajo Deep Purple demuestra todo su potencial. Abarcando en sus temas un amplio espectro rockero, que se centra fundamentalmente en el hard rock, pero que incluye a su vez características del rock más clásico e incluso algo de blues. Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo)  son los intérpretes que llevaron a cabo esta obra maestra, dando una clase de lo que es la buena música.  Siete temas le alcanzan a este disco para romper moldes, abrir cabezas y dejar recuerdos imborrables, que quedan flotando en nuestra mente en forma de notas.
El álbum nos da la bienvenida con “Highway Star”, uno de los clásicos más reconocidos del grupo. Una canción bien heavy, con mucha calle y rebeldía. Con una batería fuerte que va delineando un ritmo veloz, solos de guitarra llenos de distorsión y la voz forzada casi con furia. Jon Lord señaló que se inspiró para su sólo de teclados en este tema en la música clásica de Bach, lo que devela la construcción de una banda que sabía muy bien lo que estaba haciendo.
Continuando el viaje aparece “Maybe I´m Leo” cómo un tema muy blusero. Donde Ritchie Blackmore nos cuenta con su guitarra un tono más apesadumbrado, y un bajo distorsionado que nos brinda una sensación de sonido continuo. En “Pictures of Home” vuelve el hard rock, con muy buenos solos de bajo y de guitarra, dibujando en el aire gloriosos riffs. Este tema nos va envolviendo y acercándonos hacia el metal en un ritmo que por momentos nos eleva y nos atrapa. “Never before” se presenta como un clásico tema de rock, cargado de guitarras y de potencia. Sin embargo demuestra también en algún punto un dejo Beatle, algo psicodélico y cierta cercanía a “Day Tripper”. Sin embargo, sin duda el éxito de este álbum y su trascendencia en el tiempo se debe a la presencia de un himno del hard rock: “Smoke on the Water”. Ese épico riff, inmortalizado por Ritchie Blackmore con su guitarra Fender Stratocaster, que se ha convertido en uno de los más famosos de la historia del rock mundial. Ese que todo estudiante de guitarra quiere aprender. Este tema, luego versionado por Black Sabath fue uno de los puntapiés iniciales hacia el heavy metal. Introduciendo mucha distorsión, tonos graves y solos de gran extensión. En este sentido se puede destacar también “Space Truckin” que nos carga de adrenalina, con impresionantes solos de batería, mucha distorsión y la voz de Ian Gillan, innovando la forma de cantar, con grandiosos agudos. Completa el disco otro gran clásico de Deep Purple: “Lazy”. Un tema mayormente instrumental, con una destacadísima labor de Ian Paice en la batería. Definitivamente este tema nos transporta a otra dimensión, generan fascinación esos juegos que van creando Lord y Blackmore, casi como una sesión entre amigos, donde el arte surge con maestría y naturalidad.
Un disco imperdible para amantes del rock, para fanáticos del metal y sobre todo para disfrutar del arte de una banda que ya dejó su huella en la historia.
Gustavo Rosatto.-

ELVIS PRESLEY Y LA CONTRACULTURA DEL ROCK & ROLL

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Según el crítico televisivo de los cincuenta John Crosby, Elvis Presley era un “inenarrable intérprete joven vulgar y sin talento”. Mientras tanto, la revista Time advertía en 1956: “Sus caderas se balancean sensualmente de un lado a otro mientras que su cuerpo se mueve frenéticamente, como si se hubiera tragado una ametralladora”. El productor Phil Spector, por su parte, dijo: “No tienen idea de cuán grande es, realmente no saben.” Asimismo, Bob Dylan planteó que “Cuando escuché por primera vez su voz, supe que yo jamás trabajaría para nadie; y nadie sería mi jefe… escucharlo fue como salir de la cárcel”. Rod Stewart opinó que “Elvis era el rey. Gente como yo, Mick Jagger y muchos otros simplemente seguimos sus pasos”. “Si no fuera por él, no sé qué hubiera sido de la música popular”, pensó Elton John. James Brown, por otro lado, reflexionó: “espero encontrármelo en el cielo. Nunca habrá otro hermano del alma como él.” John Lennon sentenció simplemente que “Antes de Elvis, no había nada”.

Estas opiniones y reflexiones construyen el significado que adquirió Elvis Presley a lo largo de la historia de la música popular. Su aparición constituyó una revolución en la industria cultural norteamericana que luego se hizo mundial,  no porque hubiera inventado el rock & roll (ya que ciertamente no lo hizo) sino porque desarrolló un estilo personal que consistía en cantar fuerte y claro, acompañar el ritmo con el cuerpo de una forma nunca antes vista y dotar a la música de una pasión excepcional que era impropia de los cantantes blancos. En resumen, fue el primero en agitar las caderas y el público blanco quedó pasmado. Las reacciones no tardaron en surgir: los medios dominantes, indignados, lo calificaron de vulgar, inapropiado y hasta de maniático sexual.

Ahora bien, como dijo Dylan, para el espectro joven esto significó una expresión de libertad: el hecho de que los padres detestaran al extravagante músico de Memphis y a sus correligionarios trazó una línea entre la sociedad conservadora norteamericana y la juventud rebelde que se negaba a perpetuar las formas y las costumbres que se les imponían. Luego de la segunda guerra mundial empezó a gestarse una contracultura en Estados Unidos, que se manifestó primero en grupos minoritarios y luego floreció masivamente a mediados de los '50, y las industrias de comunicación masiva no tardaron en aprovecharla para crear modelos con los cuales los adolescentes pudieran identificarse. Así se popularizó el concepto de rock & roll (que no fue otra cosa que el término que utilizó el disck jockey Alan Freed en 1952 para rebautizar ante el público blanco al rhythm & blues, género existente desde los '40) y también surgieron personajes icónicos, como fue el caso de Elvis. Hollywood, por su parte, inmortalizó las figuras de Marlon Brando y James Dean en las películas The wild one (¡Salvaje!, 1954) y Rebel without a cause (Rebelde sin causa, 1955) respectivamente, como ejemplares de la nueva tendencia. De esta manera, la segregación racial también fue desafiada, ya que el público blanco comenzó a interesarse por las bandas negras de rock & roll, así como Presley también gozó de éxito comercial entre la población negra.

Lo que vino después es historia. Elvis fue tal vez la imagen más representativa de la primavera del rock & roll, que como tal, debió llegar a su fin y dar lugar a nuevos estilos y tendencias que siguieron dándole forma al género. Aún así, la incesante actividad del Rey en sus años de mayor éxito fue suficiente para la construcción del mito: hoy contamos con innumerables imitadores e infinitas versiones de sus canciones. Phil Spector estaba en lo cierto: es imposible determinar su grandeza, porque su leyenda crece todos los días un poco más.  
Juan Irurueta.-