WOODY GUTHRIE – DUST BOWL BALLADS (1940)

Dust Bowl Ballads es el primer LP de Woody Guthrie, quien, junto a Leadbelly (compositor de la inmortal “The Midnight Special”) protagonizó la escena folk de los ‘40.

Todos los temas del disco narran las experiencias vividas por el propio autor durante la Gran Depresión del 30’ cuando la región central de los Estados Unidos (Guthrie vivía en Oklahoma) fue afectada por fuertes desastres climatológicos durante toda la década. El fenómeno, conocido como “Dust Bowl” (tormentas de polvo), inspiró al trovador a componer una serie de canciones que describieron las calamidades que veía a su alrededor y que luego constituirían el primer álbum conceptual de la historia.

El disco abre con “The Great Dust Storm” (“La Gran Tormenta de Polvo”), en la que relata en primera persona el comienzo de los desastres, siguiendo con “I Ain’t Got No Home”,  que cuenta con una melodía irónica cuasi-infantil cómo fue que los ricos lo echaron a patadas de su casa y se quedó sin hogar. Aquí empieza a manifestarse una tendencia a evocar cuestiones políticas y de justicia social, temáticas históricamente evadidas por otros géneros y que luego serían reivindicadas en los ‘60 por los artistas que llevaron el folk al gran público, con Bob Dylan y Joan Baez a la cabeza. Así, en medio de desgracias y una desesperanza reinante, Guthrie también narra cómo el polvo le provocó neumonía (“Dust Pneumonia Blues”), se convierte en vagabundo (“Dust Bowl Refugee”) y luego se vuelve parte de una gran masa migrante rumbo hacia California en búsqueda de una vida próspera (“Blowin’ Down The Road”), finalmente despidiéndose para siempre del polvo en “Dusty Old Dust (So Long, It’s Been Good To Know Yuh)”.

Woody es uno de los padres musicales de Dylan. En este disco el parecido entre ambos es particularmente notable, ya que esta fórmula de cantautor que narra sus historias acompañado nada más que de su guitarra y alguna armónica ocasional es la misma que usó Bob en sus primera etapa, especialmente en The Freewheelin’ (1963), en el que “Talking World War III Blues” es tributo inconfundible de “Talking Dust Bowl Blues”.

Dust Bowl Ballads es una obra autobiográfica que ocupa un lugar importante en la historia del rock & roll por haber significado una alternativa ante los contenidos de las letras de las canciones populares, que trataban sobre asuntos triviales, situaciones amorosas y, en casos más arriesgados, introspecciones en las que los artistas intentaban expresar sus sentimientos más profundos. Pero el activismo social que instauró el folk de Woody Guthrie, no debemos olvidar que en su guitarra llevaba un sticker en el que se leía “esta máquina mata fascistas”, constituyó un hecho tan controversial que fue duramente reprimido por los movimientos macartistas anti-comunistas. De manera que tuvieron que pasar más de veinte años para que el género fuera tenido en cuenta por la industria cultural. Y así, este disco se convirtiera en una pieza inaugural del rock politizado y contestatario.

Juan Irurueta.-

THE XX - COEXIST (2012)

El pop minimalista de The XX  deslumbro a todos allá por el año 2009 y ahora sigue su camino con una nueva obra, sumando un peldaño mas para este ascendente trío londinense, formados en el 2005 en la Elliott School de Londres, originalmente como cuarteto recordemos que a fines del 2009 la guitarrista Baria Qureshi abandonó el grupo. De claras influencias absorbidas de bandas como The Cure, Radiohead o el dubstep de Burial. Oliver Sim y Romy Madley se las arreglaron para empezar a componer sus primeras canciones a los quince años y juntos forman una de las duplas compositiva mas extraordinaria de los últimos años, sus canciones son verdaderas joyas de pop melancólico, temas como “Crystalized”, “Islands” o “Basic Space” todas de su primer trabajo son estocadas directo al corazón.

Con su nuevo trabajo se nota una profunda madurez, las letras son de un contenido mucho más personal y sensible lo cual marca también una clara diferencia con su predecesor.

La senda sigue siendo la del pop de pocos elementos, pero con una vuelta mas de tuerca, mínimos arreglos de guitarras, bases programadas sobre las que se dejan fluir los susurros de las melodías que desandan en ese juego sensual entre la voz masculina de Oliver y la femenina de Romy que en definitiva crean un pop de alta costura y que requiere una escucha mas que atenta.

 La gran revelación de esta nueva obra es Jamie xx la tercer pata de este grupo, que como productor y experimentador sonoro tras los sintetizadores ha sabido diseñar a la perfección los diferentes matices para este nuevo trabajo, quien no por nada viajo a Chicago el centro de la escena house para empaparse de música electrónica y poder implementarla en Coexist, esto queda reflejado en canciones como “Tides” y “Swept Away”.

El disco comienza con “Angels” una canción que el grupo ya había presentado en vivo en varias ocasiones y que resume en gran parte todos los condimentos que hacen grande a The XX, la libertad de “Chained” y la soledad de “Fiction” son también elementos clave en la historia del grupo, ya que ellos mismos declaran que su música sirve para que el oyente pueda escaparse hacia ese terreno de independencia y aislamiento que proponen desde su estética conceptual.

The XX  son los dueños de la máxima de hacer mucho con poco, simplemente vale con poner las cosas en su lugar y en su justa medida, de eso se trata el pop en este milenio y queda demostrado con discos como Coexist, para emocionar simplemente hay que hablar desde el corazón ellos si que saben hacerlo.

Lean Ruano.-

TAME IMPALA – LONERISM (2012)

Luego de su paso por la Argentina hace un par de meses atrás, Tame Impala sacó a la luz su segundo trabajo, Lonerism. La mayor parte del disco fue compuesta, ejecutada y producida por el líder Kevin Parker, quien en esta oportunidad busca, a través de una actitud experimental, despojarse un poco de las influencias sesentosas plasmadas en el brillante LP debút Innerspeaker (2010), que le valió al grupo el rótulo de “revivalistas”. 

En su primer trabajo, la banda australiana se definió como una explosión de sonidos lisérgicos y siderales que nos remiten sin escalas al escenario psicodélico inglés de fines de los ‘60: la voz de Parker, sorprendentemente lennoniana, es deudora de la fase más experimental de los Beatles con “Tomorrow never knows” a la cabeza. Mientras que, tanto los ruidosos delirios instrumentales como los recurrentes ecos espaciales son un enlace directo al Pink Floyd sesentoso y ácido de Syd Barrett. Asimismo, también exhibe claros dejos de Cream y de Led Zeppelin. En Lonerism, sin dejar de lado las alusiones beatleras y floydianas, la banda se suelta un poco más y va en búsqueda de un sonido propio, objetivo que logra dando como resultado una trabajo coherente, dotado de una originalidad que supera a la de su antecesor. 

“Be above it”, el tema que inaugura el disco, combina una melodía exageradamente relajada y una base de batería híper excitada, siendo el producto final un mix inquietante que nos advierte que lo que sigue puede llegar a sorprendernos. En “Endors toi” es especialmente notoria la ascendencia de sus pares estilísticos contemporáneos, MGMT, a quienes el grupo acompañó en más de una gira. “Elephant”, el primer corte, enérgicos power chords de guitarra y firmes golpes de bombo se unen rítmicamente en una marcha rockera que aplasta todo lo que encuentre a su paso. Se trata del tema más convencional del disco, en contraposición con la psicodelia voladora de “Music to walk home by”  y “Nothing that has happened so far has been anything we could control”. Entre sintetizadores, guitarras superpuestas, baterías escandalosas y sonidos ambientales, la voz de Parker pierde claridad y se camufla sutilmente con el conjunto, disipándose en el universo sonoro que propone Lonerism. 

Un segundo disco que explora nuevos caminos es siempre un movimiento arriesgado para una banda que definitivamente comenzó su carrera con el pie derecho, ya que los caprichos por experimentar pueden desembocar en errores contraproducentes. 

La ambición del líder de los australianos llevó a estos a abandonar la comodidad conquistada luego de un excelente debut, y así avanzar audazmente hacia el desarrollo de un estilo característico. Afortunadamente, la osadía de Parker devino en una gran obra que aleja a Tame Impala de ser catalogados como “banda retro” y, mediante una síntesis entre el sonido psicodélico de los ’60 y una dosis del rock experimental de nuestro tiempo, los convierte en los nuevos referentes de la psicodelia del siglo XXI. 

Juan Irurueta.-

LUCA PRODAN – SUMO (Enseñando libertad)

Un 17 de mayo, allá por el año 53´ nacía en Roma, Italia, el tercer hijo de la familia Prodan. Luca lo nombraron sus padres, un niño criado entre el lujo y el confort de la alta sociedad, compartiendo por ejemplo la misma enseñanza que el mismísimo Príncipe Carlos de Inglaterra.

Sin embargo,  todo eso le resultaba ajeno a ese joven admirador del rock psicodélico y sinfónico de referentes como  Syd Barrett y Pink Floyd. Algo incontrolable brotaba en él, algo que no lo dejaba estar satisfecho con esa vida que sus padres le habían planificado. Así, poco a poco, encontró en la música un refugio y un desahogo. En los 70´ creó su primera banda junto con algunos amigos. Comenzó a adorar el caos y la revolución, montado en el frenético y distorsionado sonido del punk rock, inspirado en íconos del género como Joy Division. Aunque también respetando todos los géneros que promovieran y valoraran el libre albedrío, como el dub y el reggae, que empezaban a gozar de popularidad en la Europa de la época.

Siempre buscaba algo más, explotar cada resquicio de su libertad, y en esa búsqueda abandonó su educación, probó los excesos, viajó por el mundo y desafió límites. Viviendo en Londres se inició en el consumo de la heroína, sufriendo una crisis que lo dejó al borde de la muerte (Situación que él mismo detalla en la letra del tema “Heroína”). Entonces recibió una carta de un amigo en Argentina, y decidió ir allí, incluso sin conocer el español, buscando asentarse y un poco de paz.

En 1981 emprendió un viaje hacia las sierras de Mina Clavero, en Córdoba. Sin embargo su espíritu rebelde no soportó la tranquilidad y comenzó a trabar amistad con músicos de la zona. Conoció así a Germán Daffunchio y a Alejandro Sokol. Escapando de la soledad del campo se instaló en Hurlingham y se decidió a formar una banda contando con Sokol (bajo), Daffunchio (guitarra) y una amiga inglesa de Luca, Stephanie Nuttal (batería), saliendo por primera vez a escena en febrero del ‘82, en un pub de El Palomar, bajo el nombre de SUMO.

En esta primera época, y en busca de recaudar más fondos, muchas veces los integrantes de la banda salían a tocar por Buenos Aires con sus bandas paralelas: la Hurlingham Reggae Band y Sumito. Generando en esa fusión musical el estilo único que caracterizó a la banda. En las palabras del propio Luca:

"En un principio, eran casi todos temas míos. Después la cosa fue cambiando, entró una onda mucho más reggae, nos desdoblamos en la Hurlingham Reggae Band (que era únicamente reggae) y Sumo, por su parte, se puso más pesado. Después se unieron los dos grupos otra vez, yo me fui a Europa, y cuando volví con Sumo comenzamos a hacer temas de la Hurlingham... Ahora Sumo es medio reggae y medio pesado. En fin: medio raro."

Sus shows cargados de adrenalina y de emociones violentas, causaron sorpresa en el under nacional, hacían algo distinto, trajeron algo nuevo, diferente a lo desarrollado en el rock local. En  sus primeras presentaciones todos sus temas eran en inglés lo que provocó cierto repudio en muchas personas dado el ferviente nacionalismo generado por la Guerra de Malvinas, lo que terminó generando la partida de Stephanie de vuelta a su país natal por miedo a represalias.

Ante la contingencia se dio un inminente cambio en la estructura del grupo pasando Sokol a la batería y sumándose un joven vecino, Diego Arnedo, que emocionado por la música que sonaba en esa casa de Hurlingham decidió acercarse y terminó formando parte del grupo como bajista. Sumándose también las participaciones de un periodista que por entonces trabajaba en la revista El Expreso Imaginario haciendo diversas notas sobre música y que además tocaba el saxofón, nada más ni nada menos que Roberto Petinatto.

Es esa formación la que en 1983 graba un demo llamado Corpiños en la madrugada donde ya aparecían algunos temas que se trasformarían luego en suceso. Por ejemplo un tema llamado “Una noche en New York City”, más tarde popularizado como “La rubia tarada”. En él Luca Prodan logró capturar una esencia nacional, invisible aún para los propios argentinos, tal vez por la objetividad de ser extranjero, pero seguramente por la cultura y poesía urbana que brotaba en cada una de sus líricas.

"...Basta! Me voy, rumbo a la puerta

y después al boliche a la esquina

a tomar una ginebra con gente despierta.

¡Esta si que es Argentina!"

Fragmento de "La rubia tarada".

Ya en 1985 lanzan su primer trabajo discográfico con una compañía, titulado: Divididos por la felicidad. Agregándose Alberto Troglio como baterista, tras la partida de Sokol y Ricardo Mollo, amigo de Arnedo, como guitarra y voz. Sumándose también algunas participaciones de Marcelo “Gillespi” Rodríguez en trompeta. Con este trabajo lograron la consolidación como uno de los fenómenos musicales más importantes de la escena under, compartiendo muchas veces escenario con otra aparición que surgía: Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Justamente uno de los temas más populares del disco, “Mejor no hablar (de ciertas cosas)”, fue compuesto para Sumo por el “Indio” Solari. Además se destacan en el disco canciones inmortales como “Kaya” y “Regtest” con una clara influencia reggae. 

Su siguiente trabajo los terminó de catapultar a la fama. Llegando los monos (1986) está conformado por temas como “Los viejos vinagres”, con esa fuerza punk/hard rock y la crítica social característica de muchos de sus temas y “Que me pisen” un tema que logra captar con maestría muchos aspectos de la idiosincrasia del ser nacional, casi como un auto-flagelo que nos caracteriza.

 After Chabón, última placa discográfica lanzada en el 87´ - si bien luego salieron otros discos de colecciones y con material inédito como Fiebre (1989) - mantuvo esa fresca locura propia de Sumo, incluyendo uno de los temas épicos de la banda: “Mañana en el Abasto”.

A fines de ese mismo año encuentran a Luca muerto en su departamento, dejando claro que los excesos dejaron huella profunda en su cuerpo. Y así, con el fin de su vida, también termina Sumo. Luca Prodan fue un hombre fundamental para el desarrollo de la cultura musical argentina, un hombre de mundo que le mostró a un país, que recién salía de la dictadura, lo que era la libertad. Un poeta con una basta cultura y a la vez un joven rebelde, las dos facetas de una misma persona, un nombre que sobrevivirá al paso del tiempo y que seguramente tenía mucho más para enseñar, para contar, para cantar.

 La calidad musical de esta banda no se observa solo en las líricas y las canciones, sino también en la capacidad de cada uno de los músicos que lo conformaban, incluso la separación de Sumo derivó en la creación de dos de las bandas más representativas del rock nacional, Las Pelotas y Divididos, que quizás nos sigan contando algo de lo que Luca les dejó.

Gustavo Rosatto.-